jueves, 23 de octubre de 2008

Revista Area-Zinc

Contarles que Laura y jairo han sido seleccionados para la edicion online de este trimestre.
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Area Zinc : revista de arte online : nueva edición "FICCIÓN"


5ta edición : Oct-Dic 2008


Sobre la revista:


Area Zinc ( http://www.area-zinc.com ) es una revista trimestral de arte online contemporáneo e internacional. Cada edición gira en torno a un tema en particular y contiene obras de arte de una gran variedad de artistas - pintores, fotógrafos, ilustradores, escultores, músicos, etc.
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Edición actual:
En la 5ta edición, encontrará obras de:

- aaron leighton (canadá)
- andrzej dragan (polonia)
- denis olivier (francia)
- joshua hoffine (estados unitdos)
- michael kutsche (alemania)


Así mismo, en esta edición contamos con la participación de la Galería Komet (berlin), quienes nos han cedido las imágenes de las obras de:

- arno bojak (alemania)
- johannes tiepelmann (alemania)
- torsten solin (alemania)


encontrará también obras de más de 52 artistas de países tales como reino unido, noruega, españa, turquía, sur y norte américa, hong kong, malasia y muchos otros…


+ info@zinc-studio.com

domingo, 7 de septiembre de 2008

Pucet no hará la segunda parte del Master pero seguirá pasandose por el blog para saber de vosotros. Un saludo y pasadlo bien.

P.D.: Para cualquier comentario crítico-misantropo-cascarrabias estaré disponible vía e-mail.

miércoles, 13 de agosto de 2008

Premio Fotojoven 2008

Premio Fotojoven 2008
Ayuntamiento las Palmas de Gran Canaria. Concejalía Juventud
León y Castillo 322 35007 Las Palmas de Gran Canaria - ESPAÑA http://www.laspalmasgc.es

Nº Becas: 3
Tipo: Premios, concursos, certámenes
Podrán participar en la presente convocatoria jóvenes de manera individual o colectiva, con edades comprendidas entre los 14 y los 30 años. El Tema estará relacionado con oportunidades de ocio y tiempo libre de los/las jóvenes.
Publicación: Ayuntamiento las Palmas de Gran Canaria - Haz clic aquí
Plazo:
El plazo de inscripción queda abierto el 16 de julio de 2008 finalizando a las 14.00 horas del 22 de octubre de 2008.
Requisitos:
Podrán participar en la presente convocatoria jóvenes de manera individual o colectiva, con edades comprendidas entre los 14 y los 30 años. Condiciones técnicas - El Tema estará relacionado con "oportunidades de ocio y tiempo libre" de los/las jóvenes. - Se podrán presentar a concurso un máximo de tres obras por autor o colectivo. - En el supuesto de que las obras constituyan unidad temática se deberá indicar en el boletín de inscripción. - Las obras deberán ser originales e inéditas. - La Técnica para la presentación de las obras será libre. - El formato de las fotografías se adaptará desde un mínimo de 20 x 25 cm a un máximo de 50 x 60 cm. Se deberán presentar montadas en soporte rígido de cartón. - No se aceptarán fotografías montadas con cristal. - Se deberá aportar copia de los trabajos presentados en formato digital.
Lugar de disfrute: Unión Europea - ESPAÑA - Islas Canarias / Gran Canaria / PALMAS DE GRAN CANARIA, LAS
Dotación:
Se establecen los siguientes premios: - Primer Premio, dotado con .................1200,00 € - Segundo Premio,dotado con .................900,00 € - Tercer Premio, dotado con ....................600,00 € Todos los premios quedarán sometidos a la correspondiente retención en concepto de impuesto sobre la renta de las personas físicas (I.R.P.F.), de acuerdo a la Normativa vigente. El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, a través de su Concejalía de Juventud, podrá realizar exposiciones de las obras premiadas y seleccionadas durante el último trimestre del año, en el lugar que para tal fin se designe. Los premios de cada categoría quedarán en propiedad del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria. Asimismo se podrá promover la difusión de las obras en todos aquellos ámbitos que se consideren apropiados para tal fin.
Impreso:
Al boletín de inscripción habrá de acompañarlo al dorso de cada obra un sobre cerrado donde conste el título de la obra y fotocopia del DNI del concursante y de cada uno de los miembros del colectivo.
Forma:
Las inscripciones junto con la documentación correspondiente se entregarán en la Concejalía de Juventud, sita en la calle León y Castillo 322, planta 5ª, CP 35007 de Las Palmas de Gran Canaria, en días laborables en horario de 09.00 a 14.00 horas.
Convocatoria:
Concurso Fotojoven 2008 Participantes Podrán participar en la presente convocatoria jóvenes de manera individual o colectiva, con edades comprendidas entre los 14 y los 30 años. Condiciones técnicas - El Tema estará relacionado con "oportunidades de ocio y tiempo libre" de los/las jóvenes. - Se podrán presentar a concurso un máximo de tres obras por autor o colectivo. - En el supuesto de que las obras constituyan unidad temática se deberá indicar en el boletín de inscripción. - Las obras deberán ser originales e inéditas. - La Técnica para la presentación de las obras será libre. - El formato de las fotografías se adaptará desde un mínimo de 20 x 25 cm a un máximo de 50 x 60 cm. Se deberán presentar montadas en soporte rígido de cartón. - No se aceptarán fotografías montadas con cristal. - Se deberá aportar copia de los trabajos presentados en formato digital. Inscripciones Las inscripciones junto con la documentación correspondiente se entregarán en la Concejalía de Juventud, sita en la calle León y Castillo 322, planta 5ª, CP 35007 de Las Palmas de Gran Canaria, en días laborables en horario de 09.00 a 14.00 horas. El plazo de inscripción queda abierto el 16 de julio de 2008 finalizando a las 14.00 horas del 22 de octubre de 2008. Documentación a aportar Al boletín de inscripción habrá de acompañarlo al dorso de cada obra un sobre cerrado donde conste el título de la obra y fotocopia del DNI del concursante y de cada uno de los miembros del colectivo. Jurado El jurado estará compuesto por un máximo de seis personas designadas por la Concejalía de Juventud de entre fotógrafos profesionales y/o de reconocido prestigio, así como por el Presidente y el Secretario. La presidencia del mismo correrá a cargo de la Sra. Concejala de Juventud y como Secretaria (con voz, pero sin voto) actuará la Secretaria General del Ayuntamiento o el funcionario en quien delegue. Fallo El fallo del jurado será inapelable. Cualquiera de los premios podrá ser declarado desierto. El veredicto se dará a conocer públicamente el mismo día del fallo del jurado. Asimismo, el jurado podrá conceder cuantas menciones honoríficas, sin dotación económica, estime conveniente. Premios Se establecen los siguientes premios: - Primer Premio, dotado con .................1200,00 € - Segundo Premio,dotado con .................900,00 € - Tercer Premio, dotado con ....................600,00 € Todos los premios quedarán sometidos a la correspondiente retención en concepto de impuesto sobre la renta de las personas físicas (I.R.P.F.), de acuerdo a la Normativa vigente. Exposiciones y propiedad de las obras El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, a través de su Concejalía de Juventud, podrá realizar exposiciones de las obras premiadas y seleccionadas durante el último trimestre del año, en el lugar que para tal fin se designe. Finalizada la exposición, en un plazo no superior a treinta días después de la misma, los autores no premiados podrán retirar sus obras o solicitar su devolución por correo. Finalizado este plazo, las obras no reclamadas pasarán a los archivos municipales. Los premios de cada categoría quedarán en propiedad del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria. Asimismo se podrá promover la difusión de las obras en todos aquellos ámbitos que se consideren apropiados para tal fin. Aceptación La participación en este Concurso supone la aceptación íntegra de las presentes bases. Cualquier duda sobre la interpretación de las bases será resuelta por la Concejalía de Juventud. La organización podrá introducir, si lo cree necesario, las modificaciones que estime convenientes para el buen funcionamiento del concurso. Asimismo cuidará de las obras presentadas al concurso, pero no se hace responsable de la integridad de las mismas por daños fortuitos o involuntarios.


Archivo adjunto: Bases_Premio_Canarias.pdf

sábado, 12 de julio de 2008

JAIRO CRITICA A ELENA MAHUGO

Crítica Fotográfica

FOTOGRAFIA, CONCIENTE E INCONCIENTE







ELENA MAHUGO, presenta una serie muy sicológica. Seis fotografías de un espacio indeterminado, profundo y poco iluminado dejan a la vista una luz final. El efecto simula el movimiento por un túnel, la serie es la mirada de Elena, pero a su vez la mirada de un caminante interior. El trabajo presenta un pasillo que foto tras foto se va volviendo mas nítido. Algo así como quien se recorre a si mismo, con el paso, con el recorrido, con el tiempo, con la costumbre, todo se vuelve mas claro.

Dentro de la serie podemos ver el lenguaje narrativo que utiliza la artista con sus fotografías. Es a su vez un estado de ánimo. Así como algunas de sus fotografías, esta serie representa un despertar instantáneo de a necesidad de la imagen. Es decir, la fotografía surge como un pulso vital que se desarrolla en la visión de la portadora de la cámara. Esta vitalidad la puedo comparar con aquella luz a fondo del camino. Esta, me parece como aquella salida de la caverna de Platón, como una busqueda del nacimiento, desde la muerte, desde la oscuridad.

El trabajo es una secuencia intimista, que repercute directamente en el espectador, más alla de la imagen, existe, es mi opinión, el recuerdo, la idea, el pensamiento. Enfrentarse a estas fotografías es en realidad mirar mas allá y entender mas acá.

viernes, 11 de julio de 2008

LAURA CRÍTICA A VALERIA

“Yo creo que las fotografías deberían ser provocativas y no decirte lo que ya sabes. No produce ni poder ni magia reproducir la cara de alguien en una foto. La magia reside en los nuevos modos de ver la figura humana”.

Duane Michals, More Joy of Photography by Eastman Kodak (Editor)


Pese a presentarse como bloc de notas, las fotografías de la futura serie “Il velo di Maya” no rechazan la mera representación o descripción de un cuerpo. Sin embargo, en estos términos, el trabajo de Valeria Venezia va más allá. Busca en las grietas que asoman entre la representación de la realidad y la ficción.


Esta artista, que emplea la fotografía como medio para crear, construye un imaginario onírico del deseo. La corporeidad y feminidad de las formas incitan a la confusión. Cuerpos solos, fragmentados, sin rostro, envueltos en una atmósfera sombría y silenciosa, la cual sumerge al espectador en una suerte de sueño del que le va a ser difícil escapar. De repente se hallan en el escondite de Maya enfrentados ante la imposibilidad de ver.


Sus fotografí
as en blanco y negro recuerdan a la estética del cine expresionista alemán por sus fuertes contrastes, sombras proyectadas y texturas aparentes, tanto en la superficie de la piel de las figuras representadas, como de las calidades tonales que la película de gelatina de plata dota a su trabajo. Del mismo modo, por la torsión de los elementos, me hacen pensar en esos trabajos de Edward Weston tan bien cuidados, donde, igual que sucede con “Il velo di Maya” se consigue que la luz dibuje por sí misma las formas de un modo impecable.

Este proyecto se cuestiona la naturaleza de la fotografía en sí. La fotografía en la era de la sospecha, intenta investigar y atravesar esa realidad haciendo hincapié en la ambigüedad de la misma.


Bajo mi punto de vista, “Il velo di Maya” nos muestra una realidad que se conforma desde el inicio como recuerdo, realidad que acontece y que a la vez ya es memoria.


martes, 8 de julio de 2008

Ejercicios Clase de Daniel Canogar




(Fotos: Juanita Carrasco)

FRANCO CRITICA A PABLO


Aunque se trata de un homenaje a Duane Michals, el trabajo de Pablo Lemos es único y personal.

A esta serie de dos imágenes las acompaña un texto que encaja perfectamente con ellas. Es una obra tan íntima que quizá sólo el autor podría descifrarla realmente, sin embargo deja mucho para la reflexión del espectador.

Vemos una luz que nos llama de la oscuridad, pero es una luz que no nos lleva a ningún lado. En la primera imagen desde la planta baja podemos apreciar que en la parte superior de la escalera está todo oscuro, mientras que en la inferior hay mucha luz, todo hace pensar que esa luz viene desde abajo. Pero en la segunda imagen nos encontramos con que la iluminación tampoco se encuentra en el sótano, sino que está en un lugar intermedio. Probablemente esta metáfora nos indique esa lucha interna de la que nos habla, aquella lucha que también encontramos en el movimiento de su rostro.

Pero a pesar de ser fotografías con un alto contenido conceptual, este fotógrafo no ha descuidado el valor estético de éstas. Encontramos mucho equilibrio entre los elementos que componen las imágenes, así como entre las luces y sombras; aparte de jugar muy bien con las líneas y la perspectiva. Además de ser muy cuidadoso al momento de componer e iluminar, lo ha sido con su procesado posterior.

Finalmente, si fuese necesario objetar algo de esta obra, sería el haber tomado prestado el título de otro autor, ya que a pesar de tener la influencia de Duane Michals, es un trabajo muy original que merece llevar un nombre propio.

VALERIA CRITICA A JAVI





Las imágenes que nos propone Javier Arboledas forman parte de una serie más amplia de fotografías. El elemento común de estas fotos es el paisaje urbano inmerso en una naturaleza salvaje, lugares de periferia donde a pesar de la presencia difundida del cemento, este convive con una especie de naturaleza.
Soledad y degradación son otros de los elementos presentes en estas escenas, escenas fragmentadas donde mas que un hilo narrativo, el autor busca elementos que se relacionen y se opongan entre ellos: la belleza soñada de una naturaleza contaminada por el ser humano; la naturaleza y los objetos que han sido abandonados en ella y que siguen fundiéndose con el paisaje hasta formar parte de el.
El elemento humano más que presente es percibido en la mayoría de las imágenes, como huellas dejadas por el paso del hombre y su apropiación siempre más rápida del espacio natural en un tiempo desprovisto de contaminación.
En las imágenes donde se haya el elemento humano aparece siempre la soledad y la degradación ejerciendo de hilo conductor. Nos encontramos frente a una escena donde un grupo de mujeres esperan ante una puerta, en el edificio discernimos una inscripción que no entendemos puesto que está escrito en ruso, pero la sensación que emerge es la de encontrarnos frente a prostitutas. De nuevo degradación, y soledad. Otra vez nos transmite la misma sensación de la imagen del gran juego de niños, solo, imponente en medio de un bosque, solo como el hombre que nos da la espalda y mira este juego como acordándose del niño que un día fue, de un tiempo ahora pasado.
Imágenes que exploran la presencia difusa de la humanidad en la naturaleza, recreando un paisaje en continua mutación. Todo parece hablar de un sufrimiento en el sentido de un prevalecer del hombre sobre la naturaleza sin dar lugar a un posible regreso.

PABLO CRITICA A JAIRO

Jairo Llano - Jairoa - (1979), Bogotá – Colombia. Actualmente reside en Valencia.

Formado en la Universidad de Arquitectura en Bogotá pronto abandona la rama pura de la arquitectura para explorar espacios alternativos de expresión.

Su obra discurre através de tres núcleos temáticos: La arquitectura, el espacio y el interiorismo (contrapicados y arquitectura), el humanismo (reflexión y gente) y el lenguaje y los mecanismos de comunicación en la sociedad actual (dia-dia y TXT2IMG). Su obra actual, DEUS POPULUS, se inscribiria entre estos dos últimos discursos.

En DEUS POPULES el autor nos presenta un polidíptico formado por 5 tomas fotográficas extraidas de diversos medios de información televisivos, tanto de información generalista como prensa ligera, tomas que, mediante un encuadre frotal y mostrando el marco de la TV asi como la textura tramada de la imagen, no ocultan su origen y medio de partida. Esta serie, ordenada horizontalmente, está dividida en dos grupos formales: Por un lado se nos muestran imagenes “prestadas” de la familia real y por otro, pero dentro del mismo plano interpretativo, una imagen de Miss España que rompiendo el ritmo narrativo introduce un elemento anticlimático dentro del discurso del autor.

Al igual que autores anteriores, como Sherrie Levine o Richard Price, Jairoa emplea los mecanismos propios del apropiacionismo para componer una visión crítica, del que mira libre de influencias y prejuicios adquiridos hacia la sociedad española de la farándula, del fetichismo español entendido casi como una práctica religiosa hacia iconos o figuras en las cuales proyectar sus sueños, deseos o ilusiones.

El uso de las imágenes de la TV como estrategia crítica nos invitaría a realizar una revisión, una relectura de la obra, una toma de conciencia de la influencia de los sistemas de comunicación mass-media actuales en la generación de reflexiones y tendencias en la esfera de lo social y de lo político.

¿Estaría el autor buscando un dislocamiento de la obra hacia el marco, tratando de desplazar al observador del espectáculo hacia los márgenes, hacia el contexto, mostrando la cultura como una “segunda naturaleza” que legitimizaria, a través de ella misma, determinados órdenes sociales?. ¿Una “democratización” de la cultura, el arte y los sucesos sociales en la cúal todo es lo mismo?. ¿Quizás una instrumentalización de la cultura popular como mecanismos de poder?.

Y es mediante esta instrumentalización de la imagen, donde se produciría, en último término, la mercantilización de los iconos, un “fetichismo de la mercancia” (como defendía Karl Marx) donde las relaciones sociales entre personas se mediatizarian através de los objetos, en este caso, mediante imágenes institucionales y donde las personas pasarian a ser interpretadas como objetos-imágenes y estas imágenes-objeto como personas, independientemente del signo que representaran (nobleza, famoseo, cotilleo, etc.). Una estrategia dirigida a la penetración y control del ámbito doméstico através de la “ventana orwelliana”.

sábado, 5 de julio de 2008

la llamada

Deciros que me gustó mucho que os acordaseis de mi el viernes. Mi ego os lo agradecerá el tiempo que tenga. Me hubiese gustado ir y reirme un rato!¡ y estar en las clases de Álvaro para discutirle todo!!

La otra noche me pillasteis a medio coger el sueño... la vida de trabajadora oficial no me sienta bienasí que no estuve muy fina; No me lo tengais en cuenta.

Saludos y buenas vacaciones a todos. Nos vemos por madrid¡!

miércoles, 18 de junio de 2008

Del otro lado

Como algunos sabeis he estado releyendo "Presencias Reales" de G. Steiner que es una revisión al arte en la era de lo que él llama epi-logo (post-palabra). Es una revisión de las consecuencias de la deconstrucción en el acto de la creación/recepción estética. Leyéndolo (por cierto que menciona a Barthes bastante), me he dado cuenta que casi todas las lecturas con las que me identifico son el contrapunto de lo que se nos expone en los talleres pero sobre las cuales nadie ha mencionado nada (autores relevantes como Heidegger, Wittgenstein, Steiner, Gadamer, Levinas, Berger, y otros muchos cuyo legado es necesario para comenzar a entender dónde estamos) están siendo obviados olvidados (obviados?) de una manera sistemática. Lo cual me hace pensar que no estoy a la moda y que los talleres son el compendio de tendencias que no se cuestionan a sí mismas (¿será porque funcionan en el mercado y porque la falta de criterio hace que todos beban de las mismas fuentes amparandose unos en otros?. ¿¿Todos cómplices??). Creo que esto no es del todo pedagógico y que lo que realmente sería de interés es mostrar el panorama completo de pensamiento para dotarnos de la posibilidad de un criterio libe y personal. Tengo la impresión de que si no se comulga con el deconstructivismo positivista y/o el escepticismo neoliberal no hay nada que hacer (al menos dentro) del arte contemporaneo. (¿No creeis que Antoni Abad o Monserrat Soto no son, y con todo el respeto, ilustradores que podrían igualmente trabajar para una ong o una editorial antropológica?).

Será que no soy hija de mi tiempo pero creo que existen ciertas necesidades que no pueden o no deberían poderse circunscribir a una época o a un lugar. No sé, ya me diréis qué pensais y si os apetece os escribo una bibliografía en paralelo.

viernes, 13 de junio de 2008

TEMAS DE CONVERSACION Y ACTUACION

Luego de las percepciones iniciales sobre la exposición de fin de curso. Varios de nosotros hemos hablado entre nosotros y en conjunto buscando la forma de adecuar esa oportunidad a algo mas ajustado a nuestras espectativas.

Se parte del hecho que se quiere una exposición que sirva para el curriculum y que muestre un nivel consolidado. Para esto se ha pensado que está en nuestras manos desarrollar la exposición y para tal fin se cree importante empezar a trabajar en ello desde ya.

Aproximadamente tenemos un año para el desarrollo y se debe empezar a trabajar ahora. Entre quienes fuimos al Muvim llegamos a varios acuerdos. La idea es tener tareas que cumplir y hemos empezado con la primera; El sitio. Para el 4 de julio, ultimo dia de clase la idea es tener información sobre salas o posibles lugares de exposición. Cada uno de nosotros debería buscar sitios que le interesen y llamar y preguntar las condiciones para exponer alli. En principio, esa información se debe pedir como si fueramos un colectivo, es decir no aludiendo al master, ni a que somos estudiantes. Saber costos, fechas posibles, antelación para mostrar el proyecto, en fin toda la informacion.

Se comentó que hay Becas para Comisariar Exposiciones, asi que si alguno ve una convocatoria podria servir. Se postula alguien del master que tenga un buen perfil para ello y esto nos ayudaria con la ejecución de la exposición.

Por otra parte queremos que el próximo día Jueves 19 de junio, que no hay clase, nos reunamos en el salón de clases con el fin de volver a comentar este tema con quienes no han estado presentes en la discusión y por otra parte ver trabajos de nosotros mismos. Nos reuniriamos a las 4.30 para hablar del tema de la expo y luego se harian las presentaciones. Esto también es para recibir retroaliemtacion con respecto a nuestras obras. La idea es que luego lo podamos seguir haciendo de forma informal, pero este jueves nos permite empezar a ver un poco.

lunes, 2 de junio de 2008

Textos de Copyfight

La gente de Elastico (LaPetiteClaudine, Nacho Escolar, José Luis de Vicente, etc) tuvieron la deferencia de dejar este interesante libro on line a partir de las jornadas de Copyfight (ya van por la tercera, esta vez en Gerona; esperamos que pronto en Valencia...jejeje) que sigue con el post anterior de Pucet y al hilo de las clases de Laurence Rassell. Os dejo un par de fragmentos del mismo y espero que os guste.


Manifiesto por la liberación de la cultura

Cultura:
f. Conjunto de conocimientos que permite a alguien desarrollar su juicio crítico.
f. Conjunto de modos de vida y costumbres, conocimientos y grado de desarrollo artístico, científi co,
industrial, en una época, grupo social, etc
(Diccionario de la Real Academia Española . Vigésima segunda edición, en línea)

Manifestamos,
que al calor de los resultados fruto del esfuerzo en la creación de contenidos
culturales, existe una fl oreciente industria de difusión y distribución de
dichos contenidos.
que la extrema vigencia temporal de los denominados “derechos de autor”
tal y como están establecidos en la actualidad representan una barrera a la
incorporación de la cultura al dominio público, bien común, en una época
histórica análoga a la que acompaña la revolución de la imprenta.
que desde determinadas organizaciones se viene incurriendo en un proceso
de demonización de la red de difusión, distribución e intercambio de
información más igualitaria jamás concebida, así como en un afán
recaudatorio injusto, abusivo y a todas luces excesivo.
que la mera edición impresa, o publicación de cualquier contenido
audiovisual disfruta de unos derechos de explotación comercial cuyo plazo
de duración, ampliado artifi cialmente, amenaza el ejercicio del derecho de
acceso universal a la cultura.
que la historia reciente muestra, con ejemplos como los logros obtenidos por
el software libre, que el poder creativo, intelectual y cultural de los inmensos
colectivos a que dan lugar las redes de telecomunicaciones no puede ser
despreciado.
que el acceso universal a la cultura benefi cia tanto al público como a los
creadores.
que nadie posee ni nuestros pensamientos, ni nuestras ideas.

Renegamos,
de los argumentos falaces que equiparan la cultura con la explotación
comercial, industrial o que la degrada a un mero elemento de consumo.

Reivindicamos,
que acorde a los tiempos, se garantice el acceso universal y la distribución
masiva, de forma libre y gratuita de todos los contenidos culturales propiedad
del estado en sus fondos, bibliotecas o almacenes de depósito legal.
que la sociedad, la industria y los autores busquen un nuevo modelo de
relaciones económicas que, en vez de constreñir el uso de las tecnologías de
la comunicación, potencie y se aproveche de su desarrollo y multiplique sus
benefi cios.
que este nuevo acuerdo entre los autores y el público garantice las
recompensas necesarias para incentivar la creación sin impedir la difusión
de la cultura.

La limitación temporal de los llamados “derechos de autor” en unos términos
más acordes con el derecho de acceso a la cultura reconocido por la
Constitución Española y la Declaración Universal de Derechos Humanos.
La recuperación de las funciones originariamente atribuidas al Ministerio de
Cultura en detrimento de la actual actitud de salvaguardia a la industria del
entretenimiento.
Exigimos a nuestros representantes y poderes públicos,
que lleven a cabo las medidas ejecutivas y legislativas necesarias para llevar a
la práctica las reivindicaciones arriba expuestas tanto en el ámbito nacional,
como especialmente en el ámbito de la Unión Europea.
e Invitamos a la ciudadanía a que haga suyo este
Manifiesto.




El derecho a pensar
Marta Peirano

(...)
El monopolio a perpetuidad de los editores mantenía un mercado de
ediciones limitadas y caras, por lo que el derecho a leer seguía estando
reservado a nobles y ricos que se las podían permitir. Esto convenía a la
corona tanto como a la Iglesia porque, como eran cuatro gatos, mantenían
un control directo sobre lo que se publicaba y lo que no, pero tenía sus
desventajas. El Estatuto de la Reina Ana, aprobado por el parlamento inglés
en 1710, establecía un plazo de copyright de 14 años, renovable por un
máximo de 28 años si el autor seguía vivo. A partir de este momento, la
obra quedaba a disposición de cualquiera que pudiera reproducirla. Se hizo
de este modo para animar la creación y proteger la inversión del editor (que
pagaba al autor por los derechos sobre la obra), pero sobre todo para
facilitar el acceso a la cultura al mayor número posible de gente,
permitiendo la producción de ediciones baratas y asequibles al cabo de un
tiempo prudencial. Por primera vez se reconocía la necesidad de extender la
cultura a todos los rincones del reino. Leer ayuda a pensar, y pensar ayuda a
construir una economía más rica, variada y avanzada para la nación.
La primera Ley de Propiedad Intelectual llegó a España en 1762, y a
Alemania y Francia en 1791, después de la Revolución Francesa. Europa se
separó de la tradición anglosajona creando la fi gura del derecho de autor en
favor del creador sobre el editor. Cada sistema de reproducción mecánica ha
generado leyes que regulan su reproducción, cuya función es mantener la
tensión entre los intereses económicos del editor y la responsabilidad
gubernamental de favorecer el desarrollo cultural de sus países. En las
últimas décadas, sin embargo, los derechos de autor se han ido estirando
hasta los 70 años posteriores a la muerte del autor, llegando a los 100 años
en algunos países. Ese crecimiento en el derecho de explotación ha crecido
paralelo a los derechos mismos sobre las obras, que han pasado de lo literal
(la reproducción literal de un texto, una pintura o una canción) a lo
abstracto (la obra derivada del original o las ideas detrás del mismo). Las
grandes compañías editoriales y mediáticas, las grandes corporaciones de
software y las multinacionales del entretenimiento presionan, por medio de
lobbys, a sus respectivos gobiernos para que las leyes protejan un monopolio
cada vez más exclusivo y excluyente de la producción cultural. La tensión
entre los intereses editoriales y las necesidades de los ciudadanos se ha
perdido, devolviendo el privilegio de pensar a la aristocracia de nuestro
tiempo: las grandes corporaciones, los herederos y las sociedades de
derechos. Y tenemos buenas razones para creer que sus intereses son menos
elevados que los de los poetas griegos, los historiadores romanos o Dios.

(...)

Seguir leyendo.

lunes, 26 de mayo de 2008

EXGAE

http://exgae.net/


(copiado de artenet):

Hace pocas semanas se presentó esta "asesoría legal casi gratuita especializada en librar a los ciudadanos de los abusos de la SGAE y demás entidades de gestión". Esta iniciativa tiene como objetivo informar y ayudar a la ciudadanía en general y, en particular a asesorar comercios, creadores, artistas y productores estén atados de pies y manos a una entidad de gestión o no.

Otro enlace

A cuento con el hilo de Cristo yo uso:

www.masdearte.com
y
www.artelista.com

y a cuento del taller actual:

http://es.creativecommons.org

Buscador de exposiciones

No sé si conoceréis esta web, a mi me la acaban de pasar, pero creo que es interesante. Se trata de un buscador de exposiciones en la cual puedes buscar según artista, ciudad, etc...
ahi va el enlace
http://es.photography-now.com/

viernes, 23 de mayo de 2008

Manifiesto para el crecimiento (de Bruce Mau)

1. Permite que los acontecimientos te cambien. Tienes que estar deseando crecer. El crecimiento no es algo que te ocurre. Tú lo produces. Tú lo vives. Los requisitos del crecimiento son: que estés abierto a experimentar nuevos acontecimientos y dispuesto a ser cambiado por ellos.

2. Olvídate de lo bueno. Lo bueno es una medida conocida; es aquello en lo que todos estamos de acuerdo. Crecer no es algo necesariamente bueno. El crecimiento es una exploración intermitente que no necesariamente nos llevará a lo que estamos buscando. Mientras te apegues a lo bueno, nunca alcanzarás el verdadero crecimiento.

3. El proceso es más importante que el resultado. Cuando el resultado conduce al proceso, sólo llegaremos a donde ya hemos estado. Si el proceso conduce al resultado, quizás no sabremos a dónde vamos, pero sabremos que queremos estar ahí.

4. Ama tus experimentos (como amarías a un hijo feo). La emoción es el motor del crecimiento. Goza la libertad de considerar tu trabajo como maravillosos experimentos, intentos, ensayos y errores. Adopta un enfoque de largo plazo y permítete todos los días la diversión de fracasar.

5. Profundiza. Entre mayor profundidad alcances, más probable será que encuentres algo valioso.

6. Captura los accidentes. La respuesta incorrecta es la respuesta acertada en busca de una pregunta diferente. Acumula respuestas equivocadas como parte del proceso. Plantéate diferentes preguntas.

7. Estudia. Un estudio es un lugar para estudiar. Utiliza la necesidad de producir como una excusa para estudiar. Todos se beneficiarán.

8. Divaga. Permítete divagar sin propósito. Explora lo colindante. Evita los juicios. Deja la crítica para después.

9. Comienza donde sea. John Cage nos dice que el no saber dónde comenzar es una forma común de parálisis. Su consejo: comienza donde sea.

10. Todos somos líderes. El crecimiento ocurre. En el momento en que se dé, déjalo surgir. Aprende a seguir a otros cuando tenga sentido. Permite que cualquiera dirija.

11. Cosecha ideas. Limita las aplicaciones. Las ideas necesitan de una dinámica, de un flujo, de un ambiente generoso para sobrevivir.

12. No dejes de moverte. El mercado y su dinámica tienen la tendencia a reforzar el éxito. Resístelo. Permite que el fracaso y la capacidad de cambio sean parte de tu práctica.

13. Desacelérate. Apártate de la sincronía de los marcos de tiempo establecidos y te sorprenderán las oportunidades que se presentarán.

14. No seas «cool». «Cool» es el temor conservador vestido de negro. Libérate de los límites de esta naturaleza.

15. Haz preguntas tontas. El crecimiento se alimenta del deseo y de la inocencia. Valora la respuesta, no la pregunta. Imagínate aprendiendo a lo largo de tu vida al ritmo de un niño.

16. Colabora. El ambiente que prevalece entre la gente que trabaja en equipo está lleno de conflictos, fricciones, discordias, gozos y un vasto potencial creativo.

17. _____________. Intencionalmente conservado en blanco. Deja espacio para las ideas que aún no has tenido y para las ideas de otros.

18. Desvélate. Cosas extrañas ocurren cuando has ido muy lejos, cuando llevas mucho tiempo despierto, has trabajado demasiado y estás aislado del resto del mundo.

19. Trabaja la metáfora. Cada objeto tiene la capacidad de representar algo distinto de lo que aparentemente es. Trabaja en lo que representa.

20. Asegúrate de correr riesgos. El tiempo es algo genético. El hoy es hijo del ayer y padre del mañana. El trabajo que haces hoy creará tu futuro.

21. Repítete. Si te gusta, hazlo otra vez. Si no te gusta, hazlo otra vez.

22. Inventa tus propias herramientas. Haz híbridos con tus propias herramientas para construir cosas únicas. Aun las herramientas más sencillas pueden construir avenidas completamente nuevas para la exploración. Recuerda que las herramientas amplifican nuestras capacidades, y que la más pequeña de éstas puede hacer una gran diferencia.

23. Súbete a los hombros de los demás. Puedes viajar más lejos montado en los logros de quienes te han precedido. Y desde ahí, la vista es mucho mejor.

24. Evita el software. El problema con el software es que todo el mundo lo tiene.

25. No limpies tu escritorio. Podrías encontrar por la mañana algo que no pudiste ver esta noche.

26. No participes en concursos en busca de reconocimiento. Simplemente no lo hagas. No es bueno para ti.

27. Sólo lee las páginas del lado izquierdo. Marshall McLuhan lo hacía. Si disminuimos la cantidad de información, dejamos espacio para lo que puede ser nuestra "ronchita". 28. Crea nuevas palabras. Expande el léxico. Las nuevas condiciones demandan nuevas formas de expresión. La expresión genera nuevas condiciones.

29. Piensa con la mente. Olvida la tecnología. La creatividad no es un objeto-dependiente.

30. Organización = Libertad. La verdadera innovación en diseño, o en cualquier otro ámbito, ocurre en un contexto. Ese contexto es una suerte de empresa manejada como cooperativa. Frank Gehry, por ejemplo, sólo es capaz de crear Bilbao porque su estudio lo tiene contemplado en el presupuesto. El mito de una separación entre los «creativos» y los «de traje» es lo que Leonard Cohen define como un «encantador artefacto del pasado».

31. No pidas dinero prestado. Nuevamente, es un consejo de Frank Gehry. Al mantener el control financiero, mantenemos el control creativo. Esto no es exactamente ciencia espacial, pero es sorprendente lo difícil que resulta mantener esta disciplina y cuántos han fallado en ello.

32. Escucha con atención. Todo colaborador que entra en nuestra órbita trae consigo un mundo más extraño y complejo de lo que jamás hubiéramos imaginado. Al escuchar el detalle y la sutileza de sus necesidades, deseos o ambiciones, hacemos coincidir su mundo con el nuestro y ninguna de las partes volverá a ser la misma.

33. Haz visitas de campo. La amplitud del mundo es mucho más grande que la de tu televisor o Internet; más profunda, interactiva, rentable y dinámica que cualquier ambiente simulado en computadora en tiempo real.

34. Comete errores más rápido. Esta no es mi idea; la pedí prestada. Creo que pertenece a Andy Grove.

35. Imita. No seas tímido al respecto. Intenta llegar tan cerca como puedas. Nunca recorrerás todo el camino, y la separación puede resultar realmente sorprendente. Sólo necesitamos observar a Richard Hamilton con su versión del gran vaso de Duchamp para ver lo rica, desacreditada y desaprovechada que es la imitación como técnica.

36. Improvisa. Cuando se te olviden las palabras, haz lo que Ella Fitzgerald: inventa algo más ... pero no palabras.

37. Rómpelo, estíralo, flexiónalo, estréllalo, quiébralo, dóblalo.

38. Explora la otra orilla. Existe una gran libertad cuando evitamos adoptar el paquete tecnológico. No podemos encontrar la otra orilla porque estamos parados sobre ella. Intenta utilizar equipo con tecnología que se ha tornado obsoleta por un ciclo económico, pero que aún posee un rico potencial.

39. Los descansos para tomar café, los viajes en taxi, son invernaderos. El verdadero crecimiento con frecuencia ocurre fuera de los espacios en los que intentamos que se dé; en espacios poco ortodoxos -- lo que el Dr. Seuss llama «el lugar de espera». Hans Ulrich Obrist una vez organizó una conferencia sobre ciencia y arte con toda la infraestructura de una conferencia -- recepción, pláticas, comidas, llegadas al aeropuerto -- lo único que no hubo fue conferencia. Aparentemente el experimento fue altamente exitoso y gestó un ambiente de colaboración que aún persiste.

40. Evita marcar áreas. Sáltate las trancas. Las fronteras de la disciplina y los ambientes regulatorios son intentos de controlar la tormentosa vida creativa. Comúnmente son esfuerzos entendibles para ordenar los procesos evolutivos complejos. Nuestro trabajo es saltar trancas y atravesar campos.

41. Ríete. La gente que visita nuestro estudio con frecuencia comenta sobre cuánto nos reímos. Desde que soy consciente de ello, lo utilizo para medir qué tan cómodamente nos estamos expresando.

42. Recuerda. El crecimiento sólo es posible como producto de la historia. Sin memoria, la innovación se convierte en mera novedad. La historia da rumbo al crecimiento. Pero la historia nunca es perfecta. Cada recuerdo es una imagen degradada o recompuesta de un momento o acontecimiento previo. Esto es lo que nos hace conscientes de que se trata del pasado, y no del presente. Ello significa que cada recuerdo es nuevo, que se trata de algo diferente de su fuente y con un gran potencial de crecimiento propio.

43. Dale el poder a la gente. El juego sólo puede ocurrir cuando la gente siente que tiene el control sobre su vida. No podemos ser agentes libres si no somos gente libre.

martes, 20 de mayo de 2008

Taller C. Boltanski en el IVAM

Mañana acaba el plazo para el taller de C. Boltanski que se impartirá del 26 al 29 de este mes en el IVAM. Los horarios son compatibles con el master.

Solicitudes: carta de presentación + curriculo a ivam@ivam.es
Matrícula: 15€

viernes, 9 de mayo de 2008

viernes, 25 de abril de 2008

"la revolución del arte moderno" H. Sedlmayr

Ya sabeis de mi interés por intentar comprender algo de este mundo del arte (del hombre) y que para ello suelo leer bastante. Cuando cae en mis manos algo que consigue clarificar dudas pendientes desde hace mucho tiempo y que supone un avance increible para seguir armando ese esqueleto de conocimiento no dudo en transmitirselo a todo el que tenga interés (pues es cierto que hallar estas joyitas supone encontrar mucha paja por el camino) (también es cierto que quizás para alguno de vosotros pueda no ser tan revelador). El libro del que os hablo es "la revolución del arte moderno" de H. Sedlmayr editado por acantilado, donde toda esa aparente diversidad y convulsión artística es explicada como el desarrollo de la tendencia cultural de Occidente. Encontrareis material suficiente para entender la proximidad entre cultura y barbarie, trascendencia y busqueda de pureza estética o para responder consecuentemente al por qué lo que hoy llaman "arte" no es lo que antes era y cómo existe otro arte que retoma la tradición, una tradición no necesariamente romántica pero al menos no fáctica, ni estética ni autorreferencial (esto último va dirijido a quienes no se quedaron conformes con la explicación de Mira sobre el arte. Mira tenía razones pedagógicas pero fue excesivamente sintético a la hora de clarificar un término que ha sufrido una profunda transformación (incluso degradación) tras la recolución del modernismo).

Lo único malo que le encuentro es que es del año 1955 y por lo tanto cuando llegas al final del libro sientes la necesidad de que siga explicando los puntos claves hasta nuestros días.

Espero que os guste.

martes, 22 de abril de 2008

Son Rumores, Son Rumores...

Hoy me pasaron este artículo de la página Xatacafoto. No se si será cierto.

La Nikon D3X, con 24.4 megapíxeles, podría estar en camino


Ya se oían rumores acerca de la aparición de la D3X de Nikon, pero ahora parece que se vuelven más sólidos.
Y es que un grupo de hackers ha publicado en dpreview parte del código de la versión 1.10 del firmware B para la Nikon D3. Aquí lo tenemos:

” dial. ÿ Ÿ Cancel Cannot delete file. ÿ Ÿ Cancel Done. Done. Å Back Paper low. ÿ Ÿ Done 6048 x 4032; 24.4 M 4544 x 3024; 13.7 M 3024 x 2016; 6.1 M 5056 x 4032; 20.4 M 3792 x 3024; 11.5 M 2528 x 2016; 5.1 M 3968 x 2640; 10.5 M 2976 x 1976; 5.9 M 1984 x 1320; 2.6 M Firmware can not be upgraded at current settings. Only NEF (RAW) and JPEG pictures created with D3X can be selected. NCD3X Å OK 2 – 3 4864x3240 4864x3648 4560x3648 RECENT SETTINGS >bÛ >b˙ >c >c”

Si os fijáis, hay varias menciones al modelo D3X, y a su resolución (6048 x 4032; 24.4 M). Se especula mucho acerca de si con software se podrá convertir una D3 en una D3X (lo dudo bastante), acerca de la similitud de este sensor con el de la Sony Alpha 900…
Pero lo cierto es que son sólo especulaciones que parten de unas cifras encontradas en un firmware. Nikon tiene la última palabra, ¿moverá ficha pronto?

sábado, 19 de abril de 2008

Charlie Rose - HENRI CARTIER-BRESSON

Quisiera compartir con ustedes la entrevista que le hizo Charlie Rose a este grandísimo fotógrafo. Lamentablemente esta en inglés, pero me parece que es fácil de entender.
La presentación de esta entrevista la hace con una breve conversación con otro grande: Richard Avedon.
Es un poco larga, dura casi una hora, pero creo que vale la pena verla. En caso tengan problemas de visualización, pueden ir a este enlace: http://www.youtube.com/watch?v=UHXVGEeNzsQ y verla directamente de YouTube.
Espero que la disfruten.

miércoles, 16 de abril de 2008

concurso de fotografía on line

ROLLING ROLAK, construcción de géneros y sus representaciones

El concurso de fotografía on line Argazklik.com cuyo plazo acaba el 21 de mayo.
La cadena de fotografías con agentes que trabajan cuestiones feministas, Camara Crossing
Producción de géneros y cuerpos, seminario desarrollado junto a la UPV que tendrá lugar el 11 y 12 julio

www.argazklik.com
www.pripublikarrak.net/blog
www.nontzeberri.com

rollingrolak-u.jpgLa web cultural Nontzeberri y el colectivo multidisciplinar Pripublikarrak, que desarrolla proyectos de arte sobre cuestiones de género, organizan el evento cultural Rolling Rolak que quiere reflexionar sobre los roles que tenemos, que inventamos, que nos han sido impuestos, más allá del binario masculino/femenino, macho/hembra, hombre/mujer tradicional. Incluye tres dispositivos de participación variada: Argazklik.com, que es el concurso on line de fotografía abierto para quién quiera participar; Camara Crossing que es una serie de fotografías encadenadas implicando a agentes sociales y culturales ligados a las prácticas feministas; y, por último, Producción de géneros y cuerpos un seminario teórico que plantea las posibilidades de pensar los géneros a través de diversas prácticas artísticas contemporáneas.! Ver los tres dispositivos en video de presentación de Rolling Rolak: http://www.youtube.com/watch?v=4WDlJ0oOfJU&eurl=http://pripublikarrak.net/blog/index.php
más info....

Concurso de fotografía

Certamen de fotografía sobre Cultura Popular, correspondiente a 2008

Ministerio de Cultura. Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales

Plaza del Rey 1
28071 (Madrid) - ESPAÑA
Teléfono: +34917017000 / Fax: +34917017352
http://www.mcu.es/ - contacte@mcu.es

Nº Becas: 3

Tipo: Premios, concursos, certámenes

Conforme a lo establecido en el artículo 3.2 de la Orden CUL/327/2008, de 28 de enero, se convoca, en régimen de concurrencia competitiva, el Certamen de Fotografía sobre Cultura Popular correspondiente a 2008.

Se concederán tres premios correspondientes al Certamen, 1.º, 2.º y 3.º

El Certamen de Fotografía sobre Cultura Popular pretende destacar los mejores trabajos fotográficos que pongan de relieve las diferentes formas de vida y pensamiento de los pueblos e individuos que componen las diversas culturas del Estado español.

Publicación: Boletin Oficial del Estado - Haz clic aquí

Plazo:

El plazo de presentación de los trabajos finalizará el 1 de septiembre de 2008.

Requisitos:

Podrán optar al certamen todas las personas físicas que lo soliciten, que cumplan con lo establecido en las bases del Certamen y no estén excluidos de la condición de beneficiarios determinada en el artículo 13 de la Ley 38/2003, de 17 de noviembre, General de Subvenciones.

Los trabajos fotográficos que se presenten al certamen deberán ser originales e inéditos.

Los trabajos fotográficos versarán sobre cualquier aspecto de los modos de vida y pensamiento que conforman la cultura popular en los distintos territorios de España, y habrán de significarse por su valor antropológico para el conocimiento y la difusión de tales expresiones culturales en la sociedad española.

Podrán plasmar, por consiguiente, creencias religiosas y profanas, rituales y celebraciones de todo tipo, expresiones musicales o de danza, juegos, deportes, procesos de socialización y aculturación de grupos e individuos, sistemas identitarios de carácter grupal o de género y edad, formas de organización social e instituciones, actividades económicas tanto de tipo productivo como de distribución o transformación, modos de trabajo, ocupaciones y construcciones del espacio, aspectos de la alimentación y la salud, indumentarias y adornos; u otras manifestaciones culturales que contribuyan a la comprensión y divulgación antropológica de la cultura de España.

Los trabajos fotográficos que se presenten al Certamen contendrán un reportaje de tres a cinco fotografías sobre el mismo tema.

El tamaño de las fotografías será de 24 a 30 centímetros (lado menor), por 30 a 40 centímetros (lado mayor).

Las fotografías, cortadas a sangre sin ninguna clase o tipo de margen, orla y recuadro en el papel fotográfico, se presentarán sobre un cartón rígido del mismo tamaño que la fotografía, sin pegar, sujetas con esquineras, y en su parte posterior llevarán la numeración y el lema que se elija para participar en el Certamen.

El trabajo que guardará siempre el anonimato de su autor, se presentará sin firma y bajo un lema identificativo.

El trabajo se acompañará de dos sobres identificados con el mismo lema elegido.

Lugar de disfrute: Unión Europea - ESPAÑA

Dotación:

Se concederán tres premios, dotados con las siguientes cantidades:

Primer premio: 6.600,00 euros.

Segundo premio: 3.300,00 euros.

Tercer premio: 1.700,00 euros.

miércoles, 9 de abril de 2008

The end is near!



The end is near! O quizá,no.
Sobre la serie de Zoe Leonard Analog, 1998-2007.


En una de sus fotos, Zoe ha tomado The end is near!
Sin embargo está dentro de una serie mayor, de muchas fotografías con una captura similar e incluso, a veces, con similares contenidos.
Pero diferentes.


The end is near! Pero por su inclusión en el centro, más o menos, del grupo, este fin no es determinante. Propone, no impone, una posibilidad dentro de muchas.

Frente al gran relato (una identidad corporativa por ejemplo) vemos (a pesar de la toma de la imagen siguiendo unas normas parecidas con las que Leonard cataloga, crea grupos a partir de fragmentos) como con la diferencia -bricomanías de escaparate, do it yourself de barrio- ella plantea pequeños relatos, formas propias y personales de mostrar la mercancía. Formas autogestionadas de diseñar la imagen del capital. Más allá de si es bonito o tiene un aspecto cutre (en mi opinión, destilan gran encanto), es una cuestión de supervivencia.

Y esto aún no es arqueología, pese a que por haber sido registrado exista esa posibilidad.

The end is near! o quizá como establece la siguiente imagen en serie, Infinity 99.





imágenes desde aquí y aquí.

viernes, 4 de abril de 2008

Sobre la narratividad II

version
jairoa llano

"Los comerciales, siempre cuentan una historia, esa en la que establezco un dialogo personal, un espacio donde solo yo y el podemos hablar

CLICK!
NARRACION

Me recuerdas qué quiero ser en el futuro. Tu historia es un pasado que deseo como porvenir. Lo que tengo en frente a mi se funde entre imagenes propias e imagenes inyectadas por tu comercial. El significado es un intermedio entre tu narración y mi escucha, ese intermedio es un click de tus palabras en mi imaginario. Tu narración necesita de mis viviencias para existir y potencializarce. Son ellas las que, organizadas según tu continuidad, se transforman en algo nuevo para mi. Son la industria que transforma mis ideas y referentes de materia prima en producto elaborado. Tu narración, La narración remueve, cambia, reorganiza lo qu epensamos. La narracion busca en tu propio interior las respuestas y crea en ti una nueva narración"

miércoles, 2 de abril de 2008

Sobre la narratividad

Bueno, os dejo con el texto que leí en la clase de Marta Gili por si os interesa... ya que nadie comentó nada, me imaginé que lo leí bastante rápido y no se entendió bien o, por el contrario, se entendió perfectamente no hacía falta apostillar nada.... sea como sea, para los que le interesen aqui os lo dejo...

"Como dice Enrique Vila-Matas “ser escritor es convertirse en un extraño, en un extranjero”. De igual modo, el fotógrafo que se propone narrar una historia, crear contenidos a través de imágenes, debe convertirse en un extranjero frente a la integridad de lo real, convertirse en una interrogación permanente en el seno de la realidad y retorcer y sacudir las redes de la sintaxis y la semántica para expresar aquello que difícilmente se presenta a la vista de manera tabular, inmediata; retranscribir o restituir por medio del discurso, y a través de su propia retórica, la vida secreta y huidiza que está detrás de lo que se ve, detrás de esa unidad ilusoria de la realidad."

domingo, 16 de marzo de 2008

ZINK :: POLAROID FENIX ::


Polaroid reinventa la fotografía instantánea

Se trata de Zink (Zero Ink), la impresora más pequeña del mercado que no usa ni tinta ni cartuchos y permite imprimir fotos instantáneas. Se presenta en Madrid y será lanzada al mercado en junio.

La compañía que hace 60 años inventó la magia de las fotos al momento resurge de sus cenizas. Hace menos de un mes también anunció que abandonaba la producción de sus películas instantáneas. Ambos asertos no eran más que botes de humo para disimular su regreso triunfal con zink su nuevo concepto de impresión personal sin tinta que acaban de presentar en Madrid.Con un tamaño de una baraja de cartas (de tarot) y sólo 220 gr. de peso, Zink (Zero Ink) permite imprimir fotografías instantáneas desde cualquier dispositivo (teléfono móvil, cámara digital…) mediante bluettooh o USB, según publica el portal de elpais.es.Las impresiones se obtienen en un formato de papel autoadhesivo que no se borra, no se rompe e incluso es resistente al agua. La foto tarda menos de 1 minuto en imprimirse y su coste por unidad está en torno a los 30 céntimos de euro. Se trata pues de la impresora más pequeña del mercado y no utiliza ni tinta ni cartuchos pues su secreto está, nobleza obliga, en el papel soporte. Dicho papel, que viene en sobrecitos como de azúcar, contiene 100 billones de cristales amorfocrómicos que responden a pulsos de calor de duraciones específicas para hacerse visibles, conformando cada uno de ellos los puntos de color que componen una foto.

Según la compañía, cada europeo hace al mes 45 fotos con cámara digital y 10 con teléfono móvil. De ellas, sólo el 12,8% acaban impresas. La idea de Zink es aumentar estos guarismos gracias a una impresora personal que se integra perfectamente con cualquier dispositivo fotográfico. Sería como llevar una vieja polaroid en el bolsillo pero con la óptica y los megapíxeles que aporta la cámara digital de cada uno. Y manteniendo la calidad de impresión desde la primera a la última instantánea. Zink costará 129 € y estará disponible a partir de junio

Forbbiden City

Reflexiones entorno a Forbidden City. Galería T. March Marzo 2008. Trabajo para el Master de Fotografía UPV 2008


La galería Thomas March de Valencia inauguró el pasado 6 de Marzo una exposición con el último trabajo de Antonio Girbés. Se trata de una colección de fotografías que vienen a resumir la impresión estética del autor alrededor de la Ciudad Prohibida de Pekín.

Las imágenes son el resultado de un minucioso trabajo posterior donde Girbés compone una especie de “mandalas occidentales” a base de fotografías con elementos arquitectónicos identitarios de dicha ciudad como referente.

Las piezas son cuadrados equiláteros donde los fragmentos arquitectónicos de gran colorido suelen disponerse repetidos a lo largo de su perímetro delimitando/configurando otro cuadrado concéntrico completamente negro cuya oscuridad refleja no sólo al que mira, sino también el espacio donde éste se ubica, con la curiosidad de poder reflejar (según se dispongan las obras en la galería) otras piezas en la pieza, otros “mundos” (espacio-tiempo) en el mundo. Recurso este a su vez innumerables veces repetido como solución formal para explicar la “caída abismal hacia el vacío”. (Tener en cuenta que vacío en la tradición oriental se aproxima más al concepto de pleno en occidente).

Los mandalas llevan el nombre de trampantojo en función de esa clara intención de transmitir la experiencia estética de lo infinito: la disolución/explosión de las fronteras, el dentro que se vuelve fuera, la derecha que se une a la izquierda, lo inferior a lo superior, el todo, el fragmento y la nada como continentes contenidos, etc, cuya forma alusiva se identifica plenamente con la filosofía oriental.

Las obras han sido realizadas desde una rigurosidad casi matemática, rigurosidad que, en lugar de contribuir a una experiencia de lo sensible: una experiencia de aquello infinito que es Nada y que nos desborda justo cuando no podemos definir su orden, alejan de ella. La absoluta necesidad de organizar esta experiencia mediante formas que se encierran en su abstracción, limita el diálogo con la obra a una mera traducción de conceptos en el mejor de los casos y en el peor a una estimulación del sentido primitivo del gusto por los colores y su disposición simétrica.

¿Imagenes?

Bien, el otro día me pidieron si podía publicar las críticas que hice para lo de Álvaro, aquí os las dejo.


Reflexiones entorno a Arquitecturas-Fantasmas. Espai-Visor Marzo 2008. Trabajo para el Master de Fotografía UPV 2008


La galería Espai-Visor inauguró el miércoles pasado una exposición con el nombre de Arquitecturas-fantasmas donde presentaba una pequeña muestra de la obra de cuatro artistas fotógrafos contemporáneos. La elección de estos cuatro artistas parece algo arbitraria pues si bien todos abordan el extenso tema del espacio desde aspectos similares, su singularidad produce más interferencias que diálogo. Ocurre lo mismo que en otras muchas muestras colectivas donde las piezas escogidas no son las más representativas de la individualidad de cada artista (o no son su síntesis) pero que tampoco lo son del colectivo.

Los cuatro fotógrafos son Lynne Cohen, Thomas Weinberger, Bert Danckaert y Yehuda Altmann.

Lynne Cohen “viene desarrollando una forma de fotografía obsesivamente centrada en la representación de espacios vacíos. Se trata de vestíbulos, salas de espera, despachos, aulas, quirófanos o laboratorios clínicos, a manera de escenografías en donde aparecen todos los objetos, pero no los personajes para quienes estarían destinados”. Y sin embargo hay una representación mordaz de dichos personajes. Con la ironía propia de la distancia, Lynne consigue retratar la subjetividad para quienes fueron diseñados y/o son usados dichos espacios. Cuando se echa un vistazo al groso de su producción a uno se le viene a la cabeza la descripción que Benjamín hace sobre el significado de las habitaciones burguesas en el s.XIX. Son el museo de la subjetividad de sus dueños. Solo que sus dueños no son personas concretas sino instituciones (modelos de prácticas/sensibilidades colectivas). Así, los espacios retratados por Cohen adquieren el peso de la representación de cierto tipo de contemporaneidad, o mejor dicho, son espacios que no pueden sustraerse de una mirada que disecciona lo que para ella representan: el teatro de lo cotidiano. De esta forma, se produce un juego de interferencias entre lo público y lo privado. Por un lado los espacios escogidos por Cohen son espacios públicos, pero al ser retratados en su fría desnudez hacen visibles aquello que tradicionalmente debería ocultarse a la mirada del otro: lo privado. Fijar la atención sólo en el teatro de lo cotidiano es hacer de lo cotidiano un teatro; de ahí que las fotografías de Cohen desvelen una mirada profundamente crítica respecto del entorno.

En paralelo encontramos el trabajo de Bert. Entre los trabajos de Lynne y Bert se establecen más conexiones de lectura que con el resto de los trabajos expuestos. Bert también refleja una mirada crítica sobre el entorno, pero es una crítica que parte de cierta nostalgia. Mientras que Lynne mira, como se dice comúnmente, “sin contemplaciones”, Bert contempla lo que pudo ser y no es, retrata de cierta manera la tragedia de lo cotidiano. Para ello escoge igualmente espacios públicos vacíos (casi siempre exteriores) que representa desde el ángulo donde cada elemento completa y compone un orden global pero donde siempre aparece la huella de algo que apunta hacia un desequilibrio. Esa huella tiene diversas naturalezas según la pieza y ofrece distintos matices de la misma tragedia. Por poner un ejemplo, se aprecia en muchas de sus piezas la aparición de un elemento vegetal (setos, arbustos, ramas de árboles, césped) que, tanto si ha sido colocado allí expresamente con motivo de un diseño paisajístico como si ha crecido de forma espontáneamente residual, reclama desde su silencio la libertad de espacio, señalando así el absurdo de la propiedad, la precariedad del orden y la inutilidad de la asepsia; pero como su grito sigue siendo silencioso y sigue perteneciendo al orden del conjunto, su intención se agota y es reflejo de la frustración de un esfuerzo. En cambio, cuando la huella es fruto de la actuación del hombre o del paso del tiempo (grietas, brochazos en una pared lisa, objetos dejados caer o en lugares que no le son propios) lo que grita en silencio es el mismo orden que pasa a ser el reflejo frustrado del esfuerzo del hombre. De modo que el trabajo de Bert observa en la precariedad del presente esa frontera que es a pesar suyo, con una cierta nostalgia como instrumento de la expresión de la tragedia.

El tercer exponente es Thomas Weinberger. Weinberger se formó en Munich como arquitecto y la presencia de la arquitectura es central en toda su obra. Weinberger fotografía espacios urbanos desde la distancia de modo que sus imágenes parecen motivos de postales urbanas. Lo aparentemente original resulta de la aplicación de la técnica de la “doble exposición” en dos momentos diferentes del día, una exposición que realiza de noche y otra de día. El resultado son imágenes con una fuerte atmósfera cuya tensión radica en el contraste de su efecto antinatural con el realismo del motivo retratado. Si el objeto con que desarrolla dicha técnica es el de generar sólo la duda frente a la realidad, resulta un golpe de efecto de duración limitada, pues una vez esclarecido el modo en que procede a la manipulación de la realidad las fotografías pierden la mayor parte de su interés y atracción. Hay quienes han visto en este juego el desarrollo de ideas relacionadas con el concepto del tiempo, la percepción del mismo y su interés en un discurso meta-fotográfico. Por mi parte, siempre he creído que el interés de cualquier imagen debe residir en el discurso que elabora por sí misma desde los elementos propios de su lenguaje y no la de ser mera ilustración de textos cuya fuerte abstracción no necesita del referente de lo real. Es curioso como esta ausencia de lo real se lleve a cabo en un medio como la fotografía. No por casualidad, Erno Vroonen tituló "Imágenes sin la presencia", a una exposición comisariada por él en el septiembre de 2005 con piezas de Thomas Weinberger y Yehuda Altmann.

Yehuda Altmann es la última invitada de la galería. Y aquí debo introducir otra cuestión. Si hasta ahora puedo decir que he tenido acceso a la producción de los expositores anteriores al margen de la pequeña muestra ofrecida por Visor, no así lo he tenido al trabajo de Altmann, de modo que me resulta difícil hacer una valoración. Aquí no se trata ya de describir las apreciaciones obtenidas de la escasa muestra expuesta en Visor, sino de apuntar brevemente otras cuestiones que quizás exceden la propuesta del trabajo y que no son sino cuestiones que laten desde hace tiempo en el terreno del arte. Por un lado preguntarse sobre la necesidad y/o capacidad de las obras de transmitir experiencias por sí mismas y por otro de la adecuación de los espacios expositivos (o bien la adecuación de sus formas) a su función difusora.

Al hilo de la crítica sobre las imágenes de Weinberger, si las imágenes han dejado de de ser presencias de eso real que nos apela para pasar a ser productos de la abstracción perceptiva, entonces ¿pueden llamarse imágenes?

domingo, 9 de marzo de 2008

Paseo a Sierra Calderona

Aquí hay un par de fotos del paseo que hicimos a la Sierra Calderona. No fuimos muchos pero la pasamos muy bien. Además no sólo comimos y bebimos, sino que también colaboramos con la naturaleza y regamos los arbolitos.
Lástima que no pudimos estar todos, pero esperemos que para la próxima también puedan ir los demás. Ya organizaremos más paseos.


Díptico

Os dejo con un par de fotos que he montado formando un díptico. Cuando las tomé no había pensado en esa posibilidad, de ahí que haya ese desajuste entre las fotos. Cómo no sé si se verá bien, os dejo este enlace donde podéis verla un poco más grande: http://farm3.static.flickr.com/2274/2318391600_2c512abe3c_o.jpg
Espero que os guste.
PD: las fotos están escaneadas en el escaner que tengo en casa, seguramente le hubiera sacado más partido al negativo si hubiese ido a la facultad, pero bueno, todo se andará...

sábado, 8 de marzo de 2008

miércoles, 5 de marzo de 2008

Prueba y Cosas

1.- Bien, primero que nada remitiros a un blog/foro que para mi ha sido esencial.

El blog es http://www.arquitecturaenimagen.es/ Es un blog de uno de los mejores fotógrafos de arquitectura de España. El blog no es sólo de arquitectura en imagen, en la barra de la izquierda hay una pestaña que remite a "técnica fotográfica". Ahí teneis un montón de cosas interesantes (quizás ya lo conoceis) también para la limpieza del sensor.

El foro es: macuarium.es (donde no solo participa Javier, el fotografo/arquitecto sino que hay muchos otros fotógrafos profesionales siempre dispuestos a aclarar dudas. Es con mucho el foro más interesante que conozco. (Tb. interesante sus variantes para diseño gráfico y páginas web).

2.- No consigo encontrar el flirck? así que apunto aquí algunas reflexiones sobre la clase de Carles:

a) La dicotomía entre Wall y Sekula no debería pensarse en términos totalitarios. Hay un sector que piensa el "arte" desde un lugar "trascendente" y otros desde un lugar digamos "político". La cuestión de la trascendencia es ardua y la de la definición del arte mucho más. Han corrido ríos de tinta. Para no entrar al trapo solo expresar (sino estallo) que tb. se puede pensar desde otro lugar: Se nos está enseñando la imagen como si el espectador sólo viera la "imagen" y/o su marco referencial. Bien, hay que pensar siempre la mirada que está detrás de la imagen para ver desde dónde construye el discurso, qué me dice de quién es (cuidado porque tropezamos con la ética).

Wall elabora un discurso (tiene una mirada) que nos transmite una experiencia del tiempo y de la Historia. Sus imágenes son el resultado de otra manera de experimentar la realidad (no digo que sea trascendental sólo que propone otra relación con el tiempo de lectura de las imágenes que choca con la inmediated, el flujo, la sobre excitación, etc). Sekula elabora un discurso que propone otra manera de leer el acontecimiento mediático pero que resulta creo de la misma manera de experimentar el tiempo que el de los propios medios que crítica . Si nos ponemos a mirar en terminos totalitarios esta sería otra vuelta de rosca para pensar sobre ello.

Volver a traer el ejemplo de la India que no pudo estar presente en el acontecimiento de Brasil porque tenía una fiesta espiritual. La India era en esos momentos la resistencia de pensamiento frente a la polarización política por que se celebraba el encuentro de Brasil.

No me malinterpreteis, no defiendo ni a uno ni a otro, sólo que me parecía algo maniquea la exposición. Entiendo que Carles lo hace con la finalidad de proponer un discurso alternativo al del medio "artístico". Pero pienso que tiende a confusión pues no se trata de arte "auratico" contra arte "activista". Tanto uno como otro pueden llegar a ser totalitarios.

A no ser que intentase explicar "Las teorías de la Postmodernidad" mediante la comparación Wall-Sekula. Pero, ni Wall es moderno, ni Sekula postmoderno (estos terminos siempre dan dolor de cabeza). Aunque Wall se exprese con una pieza no seriada y Sekula sí, no podemos inferir que uno sea de pensamiento único y el otro de pensamiento fragmental abierto. Hay que tener en cuenta que sigue habiendo elección, dirección y montaje en el conjunto de las imagenes de una serie.

En cuanto a la "utilidad"/necesidad de un texto para la interpretación de una imagen, pone (como lo hacen los medios de comunicación) al espectador en una postura mucho más "indefensa" puesto que se le induce a leer la imagen desde esa intención y no desde la imagen como imagen (con su propio lenguaje). Lo que no hay que hacer es tratar al espectador como un idiota. Con texto e hiperabundancia mediática el problema es que dejamos de mirar lo que las cosas dicen por sí mismas que siempre son mucho más contingentes que cualquier construcción. Si con la imagen hay que pensar desde dónde fue construida para dialogar con sus intenciones. con el texto habría que hacer el mismo ejercicio.

P.D.: Seguro que me paso un buen par de horas repensando lo escrito. Si soy muy tostón decidmelo y lo dejo...