Buscador de exposiciones

No sé si conoceréis esta web, a mi me la acaban de pasar, pero creo que es interesante. Se trata de un buscador de exposiciones en la cual puedes buscar según artista, ciudad, etc...
ahi va el enlace
http://es.photography-now.com/

Manifiesto para el crecimiento (de Bruce Mau)

1. Permite que los acontecimientos te cambien. Tienes que estar deseando crecer. El crecimiento no es algo que te ocurre. Tú lo produces. Tú lo vives. Los requisitos del crecimiento son: que estés abierto a experimentar nuevos acontecimientos y dispuesto a ser cambiado por ellos.

2. Olvídate de lo bueno. Lo bueno es una medida conocida; es aquello en lo que todos estamos de acuerdo. Crecer no es algo necesariamente bueno. El crecimiento es una exploración intermitente que no necesariamente nos llevará a lo que estamos buscando. Mientras te apegues a lo bueno, nunca alcanzarás el verdadero crecimiento.

3. El proceso es más importante que el resultado. Cuando el resultado conduce al proceso, sólo llegaremos a donde ya hemos estado. Si el proceso conduce al resultado, quizás no sabremos a dónde vamos, pero sabremos que queremos estar ahí.

4. Ama tus experimentos (como amarías a un hijo feo). La emoción es el motor del crecimiento. Goza la libertad de considerar tu trabajo como maravillosos experimentos, intentos, ensayos y errores. Adopta un enfoque de largo plazo y permítete todos los días la diversión de fracasar.

5. Profundiza. Entre mayor profundidad alcances, más probable será que encuentres algo valioso.

6. Captura los accidentes. La respuesta incorrecta es la respuesta acertada en busca de una pregunta diferente. Acumula respuestas equivocadas como parte del proceso. Plantéate diferentes preguntas.

7. Estudia. Un estudio es un lugar para estudiar. Utiliza la necesidad de producir como una excusa para estudiar. Todos se beneficiarán.

8. Divaga. Permítete divagar sin propósito. Explora lo colindante. Evita los juicios. Deja la crítica para después.

9. Comienza donde sea. John Cage nos dice que el no saber dónde comenzar es una forma común de parálisis. Su consejo: comienza donde sea.

10. Todos somos líderes. El crecimiento ocurre. En el momento en que se dé, déjalo surgir. Aprende a seguir a otros cuando tenga sentido. Permite que cualquiera dirija.

11. Cosecha ideas. Limita las aplicaciones. Las ideas necesitan de una dinámica, de un flujo, de un ambiente generoso para sobrevivir.

12. No dejes de moverte. El mercado y su dinámica tienen la tendencia a reforzar el éxito. Resístelo. Permite que el fracaso y la capacidad de cambio sean parte de tu práctica.

13. Desacelérate. Apártate de la sincronía de los marcos de tiempo establecidos y te sorprenderán las oportunidades que se presentarán.

14. No seas «cool». «Cool» es el temor conservador vestido de negro. Libérate de los límites de esta naturaleza.

15. Haz preguntas tontas. El crecimiento se alimenta del deseo y de la inocencia. Valora la respuesta, no la pregunta. Imagínate aprendiendo a lo largo de tu vida al ritmo de un niño.

16. Colabora. El ambiente que prevalece entre la gente que trabaja en equipo está lleno de conflictos, fricciones, discordias, gozos y un vasto potencial creativo.

17. _____________. Intencionalmente conservado en blanco. Deja espacio para las ideas que aún no has tenido y para las ideas de otros.

18. Desvélate. Cosas extrañas ocurren cuando has ido muy lejos, cuando llevas mucho tiempo despierto, has trabajado demasiado y estás aislado del resto del mundo.

19. Trabaja la metáfora. Cada objeto tiene la capacidad de representar algo distinto de lo que aparentemente es. Trabaja en lo que representa.

20. Asegúrate de correr riesgos. El tiempo es algo genético. El hoy es hijo del ayer y padre del mañana. El trabajo que haces hoy creará tu futuro.

21. Repítete. Si te gusta, hazlo otra vez. Si no te gusta, hazlo otra vez.

22. Inventa tus propias herramientas. Haz híbridos con tus propias herramientas para construir cosas únicas. Aun las herramientas más sencillas pueden construir avenidas completamente nuevas para la exploración. Recuerda que las herramientas amplifican nuestras capacidades, y que la más pequeña de éstas puede hacer una gran diferencia.

23. Súbete a los hombros de los demás. Puedes viajar más lejos montado en los logros de quienes te han precedido. Y desde ahí, la vista es mucho mejor.

24. Evita el software. El problema con el software es que todo el mundo lo tiene.

25. No limpies tu escritorio. Podrías encontrar por la mañana algo que no pudiste ver esta noche.

26. No participes en concursos en busca de reconocimiento. Simplemente no lo hagas. No es bueno para ti.

27. Sólo lee las páginas del lado izquierdo. Marshall McLuhan lo hacía. Si disminuimos la cantidad de información, dejamos espacio para lo que puede ser nuestra "ronchita". 28. Crea nuevas palabras. Expande el léxico. Las nuevas condiciones demandan nuevas formas de expresión. La expresión genera nuevas condiciones.

29. Piensa con la mente. Olvida la tecnología. La creatividad no es un objeto-dependiente.

30. Organización = Libertad. La verdadera innovación en diseño, o en cualquier otro ámbito, ocurre en un contexto. Ese contexto es una suerte de empresa manejada como cooperativa. Frank Gehry, por ejemplo, sólo es capaz de crear Bilbao porque su estudio lo tiene contemplado en el presupuesto. El mito de una separación entre los «creativos» y los «de traje» es lo que Leonard Cohen define como un «encantador artefacto del pasado».

31. No pidas dinero prestado. Nuevamente, es un consejo de Frank Gehry. Al mantener el control financiero, mantenemos el control creativo. Esto no es exactamente ciencia espacial, pero es sorprendente lo difícil que resulta mantener esta disciplina y cuántos han fallado en ello.

32. Escucha con atención. Todo colaborador que entra en nuestra órbita trae consigo un mundo más extraño y complejo de lo que jamás hubiéramos imaginado. Al escuchar el detalle y la sutileza de sus necesidades, deseos o ambiciones, hacemos coincidir su mundo con el nuestro y ninguna de las partes volverá a ser la misma.

33. Haz visitas de campo. La amplitud del mundo es mucho más grande que la de tu televisor o Internet; más profunda, interactiva, rentable y dinámica que cualquier ambiente simulado en computadora en tiempo real.

34. Comete errores más rápido. Esta no es mi idea; la pedí prestada. Creo que pertenece a Andy Grove.

35. Imita. No seas tímido al respecto. Intenta llegar tan cerca como puedas. Nunca recorrerás todo el camino, y la separación puede resultar realmente sorprendente. Sólo necesitamos observar a Richard Hamilton con su versión del gran vaso de Duchamp para ver lo rica, desacreditada y desaprovechada que es la imitación como técnica.

36. Improvisa. Cuando se te olviden las palabras, haz lo que Ella Fitzgerald: inventa algo más ... pero no palabras.

37. Rómpelo, estíralo, flexiónalo, estréllalo, quiébralo, dóblalo.

38. Explora la otra orilla. Existe una gran libertad cuando evitamos adoptar el paquete tecnológico. No podemos encontrar la otra orilla porque estamos parados sobre ella. Intenta utilizar equipo con tecnología que se ha tornado obsoleta por un ciclo económico, pero que aún posee un rico potencial.

39. Los descansos para tomar café, los viajes en taxi, son invernaderos. El verdadero crecimiento con frecuencia ocurre fuera de los espacios en los que intentamos que se dé; en espacios poco ortodoxos -- lo que el Dr. Seuss llama «el lugar de espera». Hans Ulrich Obrist una vez organizó una conferencia sobre ciencia y arte con toda la infraestructura de una conferencia -- recepción, pláticas, comidas, llegadas al aeropuerto -- lo único que no hubo fue conferencia. Aparentemente el experimento fue altamente exitoso y gestó un ambiente de colaboración que aún persiste.

40. Evita marcar áreas. Sáltate las trancas. Las fronteras de la disciplina y los ambientes regulatorios son intentos de controlar la tormentosa vida creativa. Comúnmente son esfuerzos entendibles para ordenar los procesos evolutivos complejos. Nuestro trabajo es saltar trancas y atravesar campos.

41. Ríete. La gente que visita nuestro estudio con frecuencia comenta sobre cuánto nos reímos. Desde que soy consciente de ello, lo utilizo para medir qué tan cómodamente nos estamos expresando.

42. Recuerda. El crecimiento sólo es posible como producto de la historia. Sin memoria, la innovación se convierte en mera novedad. La historia da rumbo al crecimiento. Pero la historia nunca es perfecta. Cada recuerdo es una imagen degradada o recompuesta de un momento o acontecimiento previo. Esto es lo que nos hace conscientes de que se trata del pasado, y no del presente. Ello significa que cada recuerdo es nuevo, que se trata de algo diferente de su fuente y con un gran potencial de crecimiento propio.

43. Dale el poder a la gente. El juego sólo puede ocurrir cuando la gente siente que tiene el control sobre su vida. No podemos ser agentes libres si no somos gente libre.

Taller C. Boltanski en el IVAM

Mañana acaba el plazo para el taller de C. Boltanski que se impartirá del 26 al 29 de este mes en el IVAM. Los horarios son compatibles con el master.

Solicitudes: carta de presentación + curriculo a ivam@ivam.es
Matrícula: 15€

breve historia del espectador moderno

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"la revolución del arte moderno" H. Sedlmayr

Ya sabeis de mi interés por intentar comprender algo de este mundo del arte (del hombre) y que para ello suelo leer bastante. Cuando cae en mis manos algo que consigue clarificar dudas pendientes desde hace mucho tiempo y que supone un avance increible para seguir armando ese esqueleto de conocimiento no dudo en transmitirselo a todo el que tenga interés (pues es cierto que hallar estas joyitas supone encontrar mucha paja por el camino) (también es cierto que quizás para alguno de vosotros pueda no ser tan revelador). El libro del que os hablo es "la revolución del arte moderno" de H. Sedlmayr editado por acantilado, donde toda esa aparente diversidad y convulsión artística es explicada como el desarrollo de la tendencia cultural de Occidente. Encontrareis material suficiente para entender la proximidad entre cultura y barbarie, trascendencia y busqueda de pureza estética o para responder consecuentemente al por qué lo que hoy llaman "arte" no es lo que antes era y cómo existe otro arte que retoma la tradición, una tradición no necesariamente romántica pero al menos no fáctica, ni estética ni autorreferencial (esto último va dirijido a quienes no se quedaron conformes con la explicación de Mira sobre el arte. Mira tenía razones pedagógicas pero fue excesivamente sintético a la hora de clarificar un término que ha sufrido una profunda transformación (incluso degradación) tras la recolución del modernismo).

Lo único malo que le encuentro es que es del año 1955 y por lo tanto cuando llegas al final del libro sientes la necesidad de que siga explicando los puntos claves hasta nuestros días.

Espero que os guste.

Son Rumores, Son Rumores...

Hoy me pasaron este artículo de la página Xatacafoto. No se si será cierto.

La Nikon D3X, con 24.4 megapíxeles, podría estar en camino


Ya se oían rumores acerca de la aparición de la D3X de Nikon, pero ahora parece que se vuelven más sólidos.
Y es que un grupo de hackers ha publicado en dpreview parte del código de la versión 1.10 del firmware B para la Nikon D3. Aquí lo tenemos:

” dial. ÿ Ÿ Cancel Cannot delete file. ÿ Ÿ Cancel Done. Done. Å Back Paper low. ÿ Ÿ Done 6048 x 4032; 24.4 M 4544 x 3024; 13.7 M 3024 x 2016; 6.1 M 5056 x 4032; 20.4 M 3792 x 3024; 11.5 M 2528 x 2016; 5.1 M 3968 x 2640; 10.5 M 2976 x 1976; 5.9 M 1984 x 1320; 2.6 M Firmware can not be upgraded at current settings. Only NEF (RAW) and JPEG pictures created with D3X can be selected. NCD3X Å OK 2 – 3 4864x3240 4864x3648 4560x3648 RECENT SETTINGS >bÛ >b˙ >c >c”

Si os fijáis, hay varias menciones al modelo D3X, y a su resolución (6048 x 4032; 24.4 M). Se especula mucho acerca de si con software se podrá convertir una D3 en una D3X (lo dudo bastante), acerca de la similitud de este sensor con el de la Sony Alpha 900…
Pero lo cierto es que son sólo especulaciones que parten de unas cifras encontradas en un firmware. Nikon tiene la última palabra, ¿moverá ficha pronto?

Charlie Rose - HENRI CARTIER-BRESSON

Quisiera compartir con ustedes la entrevista que le hizo Charlie Rose a este grandísimo fotógrafo. Lamentablemente esta en inglés, pero me parece que es fácil de entender.
La presentación de esta entrevista la hace con una breve conversación con otro grande: Richard Avedon.
Es un poco larga, dura casi una hora, pero creo que vale la pena verla. En caso tengan problemas de visualización, pueden ir a este enlace: http://www.youtube.com/watch?v=UHXVGEeNzsQ y verla directamente de YouTube.
Espero que la disfruten.

concurso de fotografía on line

ROLLING ROLAK, construcción de géneros y sus representaciones

El concurso de fotografía on line Argazklik.com cuyo plazo acaba el 21 de mayo.
La cadena de fotografías con agentes que trabajan cuestiones feministas, Camara Crossing
Producción de géneros y cuerpos, seminario desarrollado junto a la UPV que tendrá lugar el 11 y 12 julio

www.argazklik.com
www.pripublikarrak.net/blog
www.nontzeberri.com

La web cultural Nontzeberri y el colectivo multidisciplinar Pripublikarrak, que desarrolla proyectos de arte sobre cuestiones de género, organizan el evento cultural Rolling Rolak que quiere reflexionar sobre los roles que tenemos, que inventamos, que nos han sido impuestos, más allá del binario masculino/femenino, macho/hembra, hombre/mujer tradicional. Incluye tres dispositivos de participación variada: Argazklik.com, que es el concurso on line de fotografía abierto para quién quiera participar; Camara Crossing que es una serie de fotografías encadenadas implicando a agentes sociales y culturales ligados a las prácticas feministas; y, por último, Producción de géneros y cuerpos un seminario teórico que plantea las posibilidades de pensar los géneros a través de diversas prácticas artísticas contemporáneas.! Ver los tres dispositivos en video de presentación de Rolling Rolak: http://www.youtube.com/watch?v=4WDlJ0oOfJU&eurl=http://pripublikarrak.net/blog/index.php

más info....

Concurso de fotografía

Certamen de fotografía sobre Cultura Popular, correspondiente a 2008

Ministerio de Cultura. Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales

Plaza del Rey 1
28071 (Madrid) - ESPAÑA
Teléfono: +34917017000 / Fax: +34917017352
http://www.mcu.es/ - contacte@mcu.es

Nº Becas: 3

Tipo: Premios, concursos, certámenes

Conforme a lo establecido en el artículo 3.2 de la Orden CUL/327/2008, de 28 de enero, se convoca, en régimen de concurrencia competitiva, el Certamen de Fotografía sobre Cultura Popular correspondiente a 2008.

Se concederán tres premios correspondientes al Certamen, 1.º, 2.º y 3.º

El Certamen de Fotografía sobre Cultura Popular pretende destacar los mejores trabajos fotográficos que pongan de relieve las diferentes formas de vida y pensamiento de los pueblos e individuos que componen las diversas culturas del Estado español.

Publicación: Boletin Oficial del Estado - Haz clic aquí

Plazo:

El plazo de presentación de los trabajos finalizará el 1 de septiembre de 2008.

Requisitos:

Podrán optar al certamen todas las personas físicas que lo soliciten, que cumplan con lo establecido en las bases del Certamen y no estén excluidos de la condición de beneficiarios determinada en el artículo 13 de la Ley 38/2003, de 17 de noviembre, General de Subvenciones.

Los trabajos fotográficos que se presenten al certamen deberán ser originales e inéditos.

Los trabajos fotográficos versarán sobre cualquier aspecto de los modos de vida y pensamiento que conforman la cultura popular en los distintos territorios de España, y habrán de significarse por su valor antropológico para el conocimiento y la difusión de tales expresiones culturales en la sociedad española.

Podrán plasmar, por consiguiente, creencias religiosas y profanas, rituales y celebraciones de todo tipo, expresiones musicales o de danza, juegos, deportes, procesos de socialización y aculturación de grupos e individuos, sistemas identitarios de carácter grupal o de género y edad, formas de organización social e instituciones, actividades económicas tanto de tipo productivo como de distribución o transformación, modos de trabajo, ocupaciones y construcciones del espacio, aspectos de la alimentación y la salud, indumentarias y adornos; u otras manifestaciones culturales que contribuyan a la comprensión y divulgación antropológica de la cultura de España.

Los trabajos fotográficos que se presenten al Certamen contendrán un reportaje de tres a cinco fotografías sobre el mismo tema.

El tamaño de las fotografías será de 24 a 30 centímetros (lado menor), por 30 a 40 centímetros (lado mayor).

Las fotografías, cortadas a sangre sin ninguna clase o tipo de margen, orla y recuadro en el papel fotográfico, se presentarán sobre un cartón rígido del mismo tamaño que la fotografía, sin pegar, sujetas con esquineras, y en su parte posterior llevarán la numeración y el lema que se elija para participar en el Certamen.

El trabajo que guardará siempre el anonimato de su autor, se presentará sin firma y bajo un lema identificativo.

El trabajo se acompañará de dos sobres identificados con el mismo lema elegido.

Lugar de disfrute: Unión Europea - ESPAÑA

Dotación:

Se concederán tres premios, dotados con las siguientes cantidades:

Primer premio: 6.600,00 euros.

Segundo premio: 3.300,00 euros.

Tercer premio: 1.700,00 euros.

The end is near!

The end is near! O quizá,no.
Sobre la serie de Zoe Leonard Analog, 1998-2007.

En una de sus fotos, Zoe ha tomado The end is near!
Sin embargo está dentro de una serie mayor, de muchas fotografías con una captura similar e incluso, a veces, con similares contenidos.
Pero diferentes.

The end is near! Pero por su inclusión en el centro, más o menos, del grupo, este fin no es determinante. Propone, no impone, una posibilidad dentro de muchas.

Frente al gran relato (una identidad corporativa por ejemplo) vemos (a pesar de la toma de la imagen siguiendo unas normas parecidas con las que Leonard cataloga, crea grupos a partir de fragmentos) como con la diferencia -bricomanías de escaparate, do it yourself de barrio- ella plantea pequeños relatos, formas propias y personales de mostrar la mercancía. Formas autogestionadas de diseñar la imagen del capital. Más allá de si es bonito o tiene un aspecto cutre (en mi opinión, destilan gran encanto), es una cuestión de supervivencia.

Y esto aún no es arqueología, pese a que por haber sido registrado exista esa posibilidad.

The end is near! o quizá como establece la siguiente imagen en serie, Infinity 99.

imágenes desde aquí y aquí.

Sobre la narratividad II

version
jairoa llano

"Los comerciales, siempre cuentan una historia, esa en la que establezco un dialogo personal, un espacio donde solo yo y el podemos hablar

CLICK!
NARRACION

Me recuerdas qué quiero ser en el futuro. Tu historia es un pasado que deseo como porvenir. Lo que tengo en frente a mi se funde entre imagenes propias e imagenes inyectadas por tu comercial. El significado es un intermedio entre tu narración y mi escucha, ese intermedio es un click de tus palabras en mi imaginario. Tu narración necesita de mis viviencias para existir y potencializarce. Son ellas las que, organizadas según tu continuidad, se transforman en algo nuevo para mi. Son la industria que transforma mis ideas y referentes de materia prima en producto elaborado. Tu narración, La narración remueve, cambia, reorganiza lo qu epensamos. La narracion busca en tu propio interior las respuestas y crea en ti una nueva narración"

Sobre la narratividad

Bueno, os dejo con el texto que leí en la clase de Marta Gili por si os interesa... ya que nadie comentó nada, me imaginé que lo leí bastante rápido y no se entendió bien o, por el contrario, se entendió perfectamente no hacía falta apostillar nada.... sea como sea, para los que le interesen aqui os lo dejo...

"Como dice Enrique Vila-Matas “ser escritor es convertirse en un extraño, en un extranjero”. De igual modo, el fotógrafo que se propone narrar una historia, crear contenidos a través de imágenes, debe convertirse en un extranjero frente a la integridad de lo real, convertirse en una interrogación permanente en el seno de la realidad y retorcer y sacudir las redes de la sintaxis y la semántica para expresar aquello que difícilmente se presenta a la vista de manera tabular, inmediata; retranscribir o restituir por medio del discurso, y a través de su propia retórica, la vida secreta y huidiza que está detrás de lo que se ve, detrás de esa unidad ilusoria de la realidad."

CREMÁ

por
Francisco Ubilla
"¡No me empuje señora!", le decía a una robusta mujer que, detrás mío, trataba desesperadamente ver la Cremá de la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. "¡No me empuje!”, le decía nuevamente, mientras protegía la cámara con todo mi cuerpo, “¡no ve que no puedo sacar la foto si me empuja!". "Hay disculpe", gritó con acento colombiano mezclado con asfixia y dolor, "es que a mi también me están empujando". Fue así cuando, entre la sofocante masa de gente, se abrió un pequeño espacio que me dejó ver plenamente la famosa Cremá; me levanté en la punta de mis dedos, respiré profundo, encuadré, enfoqué... "¡click!". Justo en ese momento me empujaron, y ya no tuve la misma perspectiva. Resignado a no ver más la Cremá, guardé la cámara entre mis brazos y me apoyé en una muralla. “Aquí huele muy raro”, dijo la misma señora, ahora más calmada, y mirándola con un aire de cómplice, le dije: “¡Aquí huele a culo señora!”. Nos reímos un buen rato.

ZINK :: POLAROID FENIX ::

Polaroid reinventa la fotografía instantánea

Se trata de Zink (Zero Ink), la impresora más pequeña del mercado que no usa ni tinta ni cartuchos y permite imprimir fotos instantáneas. Se presenta en Madrid y será lanzada al mercado en junio.

La compañía que hace 60 años inventó la magia de las fotos al momento resurge de sus cenizas. Hace menos de un mes también anunció que abandonaba la producción de sus películas instantáneas. Ambos asertos no eran más que botes de humo para disimular su regreso triunfal con zink su nuevo concepto de impresión personal sin tinta que acaban de presentar en Madrid.Con un tamaño de una baraja de cartas (de tarot) y sólo 220 gr. de peso, Zink (Zero Ink) permite imprimir fotografías instantáneas desde cualquier dispositivo (teléfono móvil, cámara digital…) mediante bluettooh o USB, según publica el portal de elpais.es.Las impresiones se obtienen en un formato de papel autoadhesivo que no se borra, no se rompe e incluso es resistente al agua. La foto tarda menos de 1 minuto en imprimirse y su coste por unidad está en torno a los 30 céntimos de euro. Se trata pues de la impresora más pequeña del mercado y no utiliza ni tinta ni cartuchos pues su secreto está, nobleza obliga, en el papel soporte. Dicho papel, que viene en sobrecitos como de azúcar, contiene 100 billones de cristales amorfocrómicos que responden a pulsos de calor de duraciones específicas para hacerse visibles, conformando cada uno de ellos los puntos de color que componen una foto.

Según la compañía, cada europeo hace al mes 45 fotos con cámara digital y 10 con teléfono móvil. De ellas, sólo el 12,8% acaban impresas. La idea de Zink es aumentar estos guarismos gracias a una impresora personal que se integra perfectamente con cualquier dispositivo fotográfico. Sería como llevar una vieja polaroid en el bolsillo pero con la óptica y los megapíxeles que aporta la cámara digital de cada uno. Y manteniendo la calidad de impresión desde la primera a la última instantánea. Zink costará 129 € y estará disponible a partir de junio

Forbbiden City

Reflexiones entorno a Forbidden City. Galería T. March Marzo 2008. Trabajo para el Master de Fotografía UPV 2008

La galería Thomas March de Valencia inauguró el pasado 6 de Marzo una exposición con el último trabajo de Antonio Girbés. Se trata de una colección de fotografías que vienen a resumir la impresión estética del autor alrededor de la Ciudad Prohibida de Pekín.

Las imágenes son el resultado de un minucioso trabajo posterior donde Girbés compone una especie de “mandalas occidentales” a base de fotografías con elementos arquitectónicos identitarios de dicha ciudad como referente.

Las piezas son cuadrados equiláteros donde los fragmentos arquitectónicos de gran colorido suelen disponerse repetidos a lo largo de su perímetro delimitando/configurando otro cuadrado concéntrico completamente negro cuya oscuridad refleja no sólo al que mira, sino también el espacio donde éste se ubica, con la curiosidad de poder reflejar (según se dispongan las obras en la galería) otras piezas en la pieza, otros “mundos” (espacio-tiempo) en el mundo. Recurso este a su vez innumerables veces repetido como solución formal para explicar la “caída abismal hacia el vacío”. (Tener en cuenta que vacío en la tradición oriental se aproxima más al concepto de pleno en occidente).

Los mandalas llevan el nombre de trampantojo en función de esa clara intención de transmitir la experiencia estética de lo infinito: la disolución/explosión de las fronteras, el dentro que se vuelve fuera, la derecha que se une a la izquierda, lo inferior a lo superior, el todo, el fragmento y la nada como continentes contenidos, etc, cuya forma alusiva se identifica plenamente con la filosofía oriental.

Las obras han sido realizadas desde una rigurosidad casi matemática, rigurosidad que, en lugar de contribuir a una experiencia de lo sensible: una experiencia de aquello infinito que es Nada y que nos desborda justo cuando no podemos definir su orden, alejan de ella. La absoluta necesidad de organizar esta experiencia mediante formas que se encierran en su abstracción, limita el diálogo con la obra a una mera traducción de conceptos en el mejor de los casos y en el peor a una estimulación del sentido primitivo del gusto por los colores y su disposición simétrica.

¿Imagenes?

Bien, el otro día me pidieron si podía publicar las críticas que hice para lo de Álvaro, aquí os las dejo.


Reflexiones entorno a Arquitecturas-Fantasmas. Espai-Visor Marzo 2008. Trabajo para el Master de Fotografía UPV 2008

La galería Espai-Visor inauguró el miércoles pasado una exposición con el nombre de Arquitecturas-fantasmas donde presentaba una pequeña muestra de la obra de cuatro artistas fotógrafos contemporáneos. La elección de estos cuatro artistas parece algo arbitraria pues si bien todos abordan el extenso tema del espacio desde aspectos similares, su singularidad produce más interferencias que diálogo. Ocurre lo mismo que en otras muchas muestras colectivas donde las piezas escogidas no son las más representativas de la individualidad de cada artista (o no son su síntesis) pero que tampoco lo son del colectivo.

Los cuatro fotógrafos son Lynne Cohen, Thomas Weinberger, Bert Danckaert y Yehuda Altmann.

Lynne Cohen “viene desarrollando una forma de fotografía obsesivamente centrada en la representación de espacios vacíos. Se trata de vestíbulos, salas de espera, despachos, aulas, quirófanos o laboratorios clínicos, a manera de escenografías en donde aparecen todos los objetos, pero no los personajes para quienes estarían destinados”. Y sin embargo hay una representación mordaz de dichos personajes. Con la ironía propia de la distancia, Lynne consigue retratar la subjetividad para quienes fueron diseñados y/o son usados dichos espacios. Cuando se echa un vistazo al groso de su producción a uno se le viene a la cabeza la descripción que Benjamín hace sobre el significado de las habitaciones burguesas en el s.XIX. Son el museo de la subjetividad de sus dueños. Solo que sus dueños no son personas concretas sino instituciones (modelos de prácticas/sensibilidades colectivas). Así, los espacios retratados por Cohen adquieren el peso de la representación de cierto tipo de contemporaneidad, o mejor dicho, son espacios que no pueden sustraerse de una mirada que disecciona lo que para ella representan: el teatro de lo cotidiano. De esta forma, se produce un juego de interferencias entre lo público y lo privado. Por un lado los espacios escogidos por Cohen son espacios públicos, pero al ser retratados en su fría desnudez hacen visibles aquello que tradicionalmente debería ocultarse a la mirada del otro: lo privado. Fijar la atención sólo en el teatro de lo cotidiano es hacer de lo cotidiano un teatro; de ahí que las fotografías de Cohen desvelen una mirada profundamente crítica respecto del entorno.

En paralelo encontramos el trabajo de Bert. Entre los trabajos de Lynne y Bert se establecen más conexiones de lectura que con el resto de los trabajos expuestos. Bert también refleja una mirada crítica sobre el entorno, pero es una crítica que parte de cierta nostalgia. Mientras que Lynne mira, como se dice comúnmente, “sin contemplaciones”, Bert contempla lo que pudo ser y no es, retrata de cierta manera la tragedia de lo cotidiano. Para ello escoge igualmente espacios públicos vacíos (casi siempre exteriores) que representa desde el ángulo donde cada elemento completa y compone un orden global pero donde siempre aparece la huella de algo que apunta hacia un desequilibrio. Esa huella tiene diversas naturalezas según la pieza y ofrece distintos matices de la misma tragedia. Por poner un ejemplo, se aprecia en muchas de sus piezas la aparición de un elemento vegetal (setos, arbustos, ramas de árboles, césped) que, tanto si ha sido colocado allí expresamente con motivo de un diseño paisajístico como si ha crecido de forma espontáneamente residual, reclama desde su silencio la libertad de espacio, señalando así el absurdo de la propiedad, la precariedad del orden y la inutilidad de la asepsia; pero como su grito sigue siendo silencioso y sigue perteneciendo al orden del conjunto, su intención se agota y es reflejo de la frustración de un esfuerzo. En cambio, cuando la huella es fruto de la actuación del hombre o del paso del tiempo (grietas, brochazos en una pared lisa, objetos dejados caer o en lugares que no le son propios) lo que grita en silencio es el mismo orden que pasa a ser el reflejo frustrado del esfuerzo del hombre. De modo que el trabajo de Bert observa en la precariedad del presente esa frontera que es a pesar suyo, con una cierta nostalgia como instrumento de la expresión de la tragedia.

El tercer exponente es Thomas Weinberger. Weinberger se formó en Munich como arquitecto y la presencia de la arquitectura es central en toda su obra. Weinberger fotografía espacios urbanos desde la distancia de modo que sus imágenes parecen motivos de postales urbanas. Lo aparentemente original resulta de la aplicación de la técnica de la “doble exposición” en dos momentos diferentes del día, una exposición que realiza de noche y otra de día. El resultado son imágenes con una fuerte atmósfera cuya tensión radica en el contraste de su efecto antinatural con el realismo del motivo retratado. Si el objeto con que desarrolla dicha técnica es el de generar sólo la duda frente a la realidad, resulta un golpe de efecto de duración limitada, pues una vez esclarecido el modo en que procede a la manipulación de la realidad las fotografías pierden la mayor parte de su interés y atracción. Hay quienes han visto en este juego el desarrollo de ideas relacionadas con el concepto del tiempo, la percepción del mismo y su interés en un discurso meta-fotográfico. Por mi parte, siempre he creído que el interés de cualquier imagen debe residir en el discurso que elabora por sí misma desde los elementos propios de su lenguaje y no la de ser mera ilustración de textos cuya fuerte abstracción no necesita del referente de lo real. Es curioso como esta ausencia de lo real se lleve a cabo en un medio como la fotografía. No por casualidad, Erno Vroonen tituló "Imágenes sin la presencia", a una exposición comisariada por él en el septiembre de 2005 con piezas de Thomas Weinberger y Yehuda Altmann.

Yehuda Altmann es la última invitada de la galería. Y aquí debo introducir otra cuestión. Si hasta ahora puedo decir que he tenido acceso a la producción de los expositores anteriores al margen de la pequeña muestra ofrecida por Visor, no así lo he tenido al trabajo de Altmann, de modo que me resulta difícil hacer una valoración. Aquí no se trata ya de describir las apreciaciones obtenidas de la escasa muestra expuesta en Visor, sino de apuntar brevemente otras cuestiones que quizás exceden la propuesta del trabajo y que no son sino cuestiones que laten desde hace tiempo en el terreno del arte. Por un lado preguntarse sobre la necesidad y/o capacidad de las obras de transmitir experiencias por sí mismas y por otro de la adecuación de los espacios expositivos (o bien la adecuación de sus formas) a su función difusora.

Al hilo de la crítica sobre las imágenes de Weinberger, si las imágenes han dejado de de ser presencias de eso real que nos apela para pasar a ser productos de la abstracción perceptiva, entonces ¿pueden llamarse imágenes?

Paseo a Sierra Calderona

Aquí hay un par de fotos del paseo que hicimos a la Sierra Calderona. No fuimos muchos pero la pasamos muy bien. Además no sólo comimos y bebimos, sino que también colaboramos con la naturaleza y regamos los arbolitos.
Lástima que no pudimos estar todos, pero esperemos que para la próxima también puedan ir los demás. Ya organizaremos más paseos.

Díptico

Os dejo con un par de fotos que he montado formando un díptico. Cuando las tomé no había pensado en esa posibilidad, de ahí que haya ese desajuste entre las fotos. Cómo no sé si se verá bien, os dejo este enlace donde podéis verla un poco más grande: http://farm3.static.flickr.com/2274/2318391600_2c512abe3c_o.jpg
Espero que os guste.
PD: las fotos están escaneadas en el escaner que tengo en casa, seguramente le hubiera sacado más partido al negativo si hubiese ido a la facultad, pero bueno, todo se andará...

El Ojo de Él

Prueba y Cosas

1.- Bien, primero que nada remitiros a un blog/foro que para mi ha sido esencial.

El blog es http://www.arquitecturaenimagen.es/ Es un blog de uno de los mejores fotógrafos de arquitectura de España. El blog no es sólo de arquitectura en imagen, en la barra de la izquierda hay una pestaña que remite a "técnica fotográfica". Ahí teneis un montón de cosas interesantes (quizás ya lo conoceis) también para la limpieza del sensor.

El foro es: macuarium.es (donde no solo participa Javier, el fotografo/arquitecto sino que hay muchos otros fotógrafos profesionales siempre dispuestos a aclarar dudas. Es con mucho el foro más interesante que conozco. (Tb. interesante sus variantes para diseño gráfico y páginas web).

2.- No consigo encontrar el flirck? así que apunto aquí algunas reflexiones sobre la clase de Carles:

a) La dicotomía entre Wall y Sekula no debería pensarse en términos totalitarios. Hay un sector que piensa el "arte" desde un lugar "trascendente" y otros desde un lugar digamos "político". La cuestión de la trascendencia es ardua y la de la definición del arte mucho más. Han corrido ríos de tinta. Para no entrar al trapo solo expresar (sino estallo) que tb. se puede pensar desde otro lugar: Se nos está enseñando la imagen como si el espectador sólo viera la "imagen" y/o su marco referencial. Bien, hay que pensar siempre la mirada que está detrás de la imagen para ver desde dónde construye el discurso, qué me dice de quién es (cuidado porque tropezamos con la ética).

Wall elabora un discurso (tiene una mirada) que nos transmite una experiencia del tiempo y de la Historia. Sus imágenes son el resultado de otra manera de experimentar la realidad (no digo que sea trascendental sólo que propone otra relación con el tiempo de lectura de las imágenes que choca con la inmediated, el flujo, la sobre excitación, etc). Sekula elabora un discurso que propone otra manera de leer el acontecimiento mediático pero que resulta creo de la misma manera de experimentar el tiempo que el de los propios medios que crítica . Si nos ponemos a mirar en terminos totalitarios esta sería otra vuelta de rosca para pensar sobre ello.

Volver a traer el ejemplo de la India que no pudo estar presente en el acontecimiento de Brasil porque tenía una fiesta espiritual. La India era en esos momentos la resistencia de pensamiento frente a la polarización política por que se celebraba el encuentro de Brasil.

No me malinterpreteis, no defiendo ni a uno ni a otro, sólo que me parecía algo maniquea la exposición. Entiendo que Carles lo hace con la finalidad de proponer un discurso alternativo al del medio "artístico". Pero pienso que tiende a confusión pues no se trata de arte "auratico" contra arte "activista". Tanto uno como otro pueden llegar a ser totalitarios.

A no ser que intentase explicar "Las teorías de la Postmodernidad" mediante la comparación Wall-Sekula. Pero, ni Wall es moderno, ni Sekula postmoderno (estos terminos siempre dan dolor de cabeza). Aunque Wall se exprese con una pieza no seriada y Sekula sí, no podemos inferir que uno sea de pensamiento único y el otro de pensamiento fragmental abierto. Hay que tener en cuenta que sigue habiendo elección, dirección y montaje en el conjunto de las imagenes de una serie.

En cuanto a la "utilidad"/necesidad de un texto para la interpretación de una imagen, pone (como lo hacen los medios de comunicación) al espectador en una postura mucho más "indefensa" puesto que se le induce a leer la imagen desde esa intención y no desde la imagen como imagen (con su propio lenguaje). Lo que no hay que hacer es tratar al espectador como un idiota. Con texto e hiperabundancia mediática el problema es que dejamos de mirar lo que las cosas dicen por sí mismas que siempre son mucho más contingentes que cualquier construcción. Si con la imagen hay que pensar desde dónde fue construida para dialogar con sus intenciones. con el texto habría que hacer el mismo ejercicio.

P.D.: Seguro que me paso un buen par de horas repensando lo escrito. Si soy muy tostón decidmelo y lo dejo...